lost in life

Big Fish (2003)

2010-06-06T08:48:00.005+02:00

Periodo di revisioni questo, alcune conferme e alcune sorprese e cambi di direzione.

Big Fish di Tim Burton appartiene alla prima categoria, film visto una sola volta quando uscì al cinema e mai più rivisto. Subito dopo la visione pensai si trattasse del miglior Burton, quello più maturo, più lucido, in cui tutta la sua poetica esce fuori in modo diretto e chiaro. E così continuo a pensare a distanza di anni, me l'ero quasi scordato questo gioiello.

Film assolutamente personale, in cui l'aspetto metaforico è onnipresente e non abbandona nemmeno un attimo lo svolgersi degli eventi. Ogni personaggio, ogni creatura, ogni aspetto della scenografia e della location, ha una sua precisa collocazione e un suo preciso significato poetico.

Edward Bloom è un uomo che ha vissuto una vita che si esplica nei suoi racconti, i tall tale, e quale sia il confine tra realtà e fantasia, nessuno lo può sapere. Possono le fantasie, le storie, impossessarsi della vita fino a trasformarsi in realtà? Secondo Tim Burton si.

Edward alla fine dei suoi giorni, ci racconta la sua vita a partire dalla bizzarra nascita, fino ad arrivare ai suoi ultimi giorni. Da ragazzino fa visita ad una strega con un occhio bendato, in quell'occhio lui vede la sua fine: il modo in cui troverà la morte. Forte di questo, Edward saprà che potrà affrontare qualsiasi avvenimento senza correre nessun rischio, dato che conosce le modalità della sua morte. E da qui parte la sua avventura, una vita popolata da continue ricerche e rischi, da incontri con freak e creature mitologiche. Una vita fatta di scelte dettate dall'amore per la donna che sposerà. Le sue "fantasie" però non sono capite dal figlio, che paragona suo padre ad un iceberg, ne riesce a vedere solo una parte, ma il novanta per cento rimane sott'acqua. Solo alla fine le cose cambiano...

Big Fish è una creatura imprendibile e per questo importante e affascinante. Big Fish è lo stesso Edward, prodotto della fantasia, mito imprendibile ma vero perchè raccontato. Il racconto si tramanderà, e Edward vivrà per sempre nelle storie, e le persone staranno a sentire innamorandosene.

Film importante che insegna ad essere aperti al mondo, Burton ha sempre esorcizzato le paure, i suoi mostri sono appetibili, mai inquietanti. Questo film non è altro che una conferma del suo pensiero, un amore aperto nei confronti di tutto quello che ci spaventa, un riscontro positivo in ciò che apparentemente è negativo.

Capolavoro poetico di Tim Burton.

Down with love (Abbasso l'amore) -2003-

2010-05-21T06:41:00.007+02:00

Film del 2003, nostalgicamente ci riporta indietro di una cinquantina d'anni, quando spopolavano le commediole con Doris Day e Rock Hudson. Quando si cominciavano a vedere i primi risultati dell'emancipazione femminile, con protagoniste battagliere e determinate che non volevano cedere alle lusinghe maschili, ma che alla fine si innamoravano perdutamente del tanto combattuto "uomo predominante".

In quegli anni si cominciavano a vedere i primi letti matrimoniali, fino a pochi anni prima tabù nel cinema americano. In una scena del film Il visone sulla pelle la protagonista (una frizzante Doris Day, appunto) immagina letti ovunque...

Spopolavano i telefoni duplex, nei ristoranti, nel club, nei saloni di bellezza. "C'è una chiamata per lei, signorina" era la frase che il solerte cameriere pronunciava col telefono in mano.

Il technicolor era un must e le ambientazioni simili a bomboniere facevano vivere allo spettatore una favola, una vita surreale che non apparteneva praticamente a nessuno.

Gli attici di New York, la luna piena, le auto lucide, i vestiti ed i cappellini con colori caramellosi, i dialoghi scoppiettanti, in questo film c'è tutto questo, ma c'è anche di più. E' una commedia egregiamente sceneggiata, magnificamente interpretata da Renée Zellweger e Ewan Mcgregor (bellissimo), in cui la parodia, l'ironia e l'omaggio cinematografico, si mescolano in maniera eccellente per dare alla fine un risultato godibilissimo. Si ride anche molto.

Nota particolare per i titoli di coda, in cui i due protagonisti mettono in scena una piacevole scena musicale (entrambi sanno anche cantare...)

Voto al film 8.5/10

il cinefilo della domenica

2010-04-28T12:50:00.004+02:00

Comincio col dire che non c'è niente di male ad esserlo, io non discrimino nessuno, nemmeno quello che non si perde un cinepanettone o un cinepasqualone. Ognuno vive le cose a modo proprio e come gli pare, io per esempio, sono una "della domenica" di molte cose. Una turista della domenica, una ciclista della domenica, una lettrice di fumetti della domenica, e tanto altro ancora. Ma cosa contraddistingue il cinefilo fake, dilettante, occasionale, da quello autentico?

- il cinefilo della domenica quando va al cinema sceglie il film sul giornale, su internet o direttamente alla multisala. Il cinefilo vero no, lui sa già cosa andare a vedere, a volte mesi prima e in taluni casi, anni prima. Il cinefilo conosce a menadito la programmazione cinematografica futura, presente e passata.

- il cinefilo della domenica quando sente un titolo di un film che disconosce, non chiede mai "di chi è?", ma "con chi è?". E se la risposta comporta una lista di nomi sconosciuti ripiega su qualcos'altro. Almeno un "Tom Cruise" qualsiasi ci dev'essere.

- se alla domanda "cosa ti piace?" la risposta è "il cinema" si controbatte con aria di sufficienza dicendo "si, e poi?", vuol dire che si ha davanti un cinefilo occasionale. Il soggetto in questione crede che il cinema sia più un "andare al cinema", così come "andare al bar" o "andare a fare due passi". Il cinema è un'arte complessa, ma lui non lo sa.

- il cinefilo occasionale è convinto che i gestori dei videonoleggi siano tutti surrogati di Morandini, quindi chiede pareri sui film da noleggiare fidandosi ciecamente.

- il cinefilo finto divide i film in tre grosse categorie: quelli da ridere, quelli da piangere e quelli di paura. Come se l'essere umano fosse un soggetto emotivamente limitato, e dimenticandosi che la sfera emotiva è dotata di infinite sfumature. E così è l'arte, quindi il cinema.

- il cinefilo tradizionalista, è una sottospecie del cinefilo della domenica. E' uno che guarda solo ed esclusivamente film italiani, ambientati in Italia, preferibilmente recitati da attori di fiction rai con accenti regionali. E' lo stesso che al ristorante tailandese di Londra chiede gli spaghetti alla carbonara. E' lo stesso che dice che mamma è la migliore cuoca del mondo, ed è lo stesso che poi chiama suo figlio Jonathan e sua figlia Sarah con l'acca finale.

- il cinefilo ecologico è un'altra sottospecie, ed è quello che vede solo documentari naturalistici o film "educativi". E' molto raro trovarlo.

- il cinefilo fracassone, altra sottospecie. E' quello che non si perde nessun film farcito di effetti speciali (soprattutto in 3d) e sonori spacca-timpani. Di solito è un ragazzino che vive in simbiosi con la PS3 e che non ha raggiunto la maggiore età, oppure un adulto non ancora cresciutissimo. In genere frequenta solo le multisale, mangia spesso da MacDonald, e ovviamente entra in sala con quantità industriali di popcorn e CocaCola.

- ma tornando al tradizionale cinefilo della domenica, altra caratteristica è l'insofferenza di fronte alle scene dove non ci sono dialoghi, oppure dove ce ne sono troppi e manca l'azione. Cominciano a muoversi insofferenti sulla poltrona, a sbadigliare, a mandare sms, o (peggio ancora) ad alzarsi per andare a prendere il famigerato pacchetto di patatine, quello che basta sfiorarlo per impedire al resto del pubblico di ascoltare i dialoghi. I poveri cinefili si trovano costretti così a seguire il resto del film leggendo il labiale degli attori e facendo "ssssssssh".

- il cinefilo della domenica è quello che si scandalizza con enorme facilità. Magari legge i dettagli della cronaca nera locale, o guarda quel programma porno che è Studio Aperto, però di fronte a scene di violenza e/o sesso, si copre gli occhi e commenta col vicino.

- il gruppetto di cinefili della domenica, li riconosci. Sono chiassosi, sono generalmente tutti accoppiati, quando ti passano davanti (o se ti si siedono vicino) scopri che si sono rovesciati addosso l'intero flacone di Acqua di Giò. Le donne sono in tiro e fresche di parrucchiere, gli uomini con la camicia e la panza. Sarebbe meglio chiamarli "cinefili del sabato sera" perchè è l'unico momento della settimana in cui si decidono ad andare al cinema. Non stanno zitti mai, durante i trailer parlano sempre dell'università dei rispettivi figli e non spengono il cellulare.

- altra prerogativa del cinefilo della domenica, è quella (di solito avviene al videonoleggio) di non considerare MAI nessun film prodotto prima dell'anno corrente, o al massimo, dell'anno scorso. Il film dev'essere "nuovo", perchè se è vecchio è fuori moda.

- il cinefilo della domenica compie le scelte del film in base al trailer e alla locandina. Entrambe devono essere fighe, altrimenti il film non lo vanno a vedere.

- il cinefilo paesaggista, altra interessante sotto-specie. E' quello che sceglie il film da vedere in base alla location, che dev'essere o esotica (di solito va forte Miami, o i deserti africani) o familiare/sentimentale (lo scorcio de Roma mia bella, la campagna lucana, il piccolo borgo umbro dove siamo stati st'estate...).

- il cinefilo della domenica, si alza dalla poltrona non appena "avverte" che il film sta per finire. Non aspetta manco i titoli di coda, come se avesse paura di non riuscire ad uscire dalla sala. E subito dopo commenta ad alta voce, dà giudizi in genere pecorecci.

Il cinefilo, invece, rimane seduto. Aspetta lo scorrere dei titoli, medita, non esprime pareri immediati. Deve digerire, deve assimilare, riflettere, capire, ponderare, e forse riesce a esprimersi dopo, più tardi. Spesso il giorno seguente. I film vanno metabolizzati, a volte sembrano non toccarci, poi inaspettatamente un giorno ricordiamo un'atmosfera, una piccola emozione, un'espressione di un volto che ci riporta alla pellicola che apparentemente non ci aveva entusiasmato. Il cinefilo i film se li deve dormire, mangiare, li deve rivedere. Non arriva mai al cinema in ritardo, piuttosto che vedere un film senza inizio rinuncia. Ha bisogno di un rito quasi zen prima di sedersi sulla poltrona di un cinema, soprattutto quando sa che sta per assistere ad un film importante, o atteso. Ci deve essere poca gente in sala, silenzio, la posizione dev'essere centrale e non troppo vicina. I trailer sono importanti, ma non fondamentali. Il cellulare si spegne prima, niente cibo, al massimo una bottiglietta d'acqua. Durante la visione non si parla, non si va in bagno, e si auspica in un'assenza di stacco tra il primo e il secondo tempo: le luci violente della sala irromperebbero spezzando la magia.

Swimming Pool (2003)

2010-04-12T12:36:00.003+02:00

Altro film di François Ozon (periodo in cui non riesco ad andare al cinema, le giornate sono troppo belle, la natura sta sbocciando ed io ho una macchina fotografica NUOVA!).

Scrittrice londinese di romanzi gialli in crisi d'ispirazione decide di accettare l'offerta del suo editore con il quale ha una relazione: trascorrere del tempo da sola nella sua villa con piscina che si trova nelle campagne francesi.

Durante il rilassante e solitario soggiorno, a irrompere e a turbare la tranquillità della donna, arriva Julie, giovane e spregiudicata figlia del suo editore. Comincia una convivenza all'inizio difficile, poi complice. La donna riuscirà a portare a termine "il suo romanzo più personale" soprattutto grazie al rapporto con la giovane Julie.

Colpo di scena finale.

Film a metà tra il giallo e l'introspettivo, in cui ciò che veramente interessa al regista è descrivere le personalità delle due donne, così opposte e al tempo stesso così vicine da sfiorarsi. Ma oltre a questo, Ozon affronta il tema dell'ispirazione artistica, e del distacco dalla realtà che caratterizza la vita di molti artisti. Ricongiungendo la pellicola al suo film successivo Angel, in cui il tema della realtà e dell'immaginario sono ancora una volta affrontati con intelligenza e empatia (e molto probabilmente con una buona dose di autobiografia).

Le inquadrature di Swimming Pool sono studiate e affascinanti, i silenzi e i gesti della protagonista (ancora una volta Charlotte Rampling) sono perfetti e Ozon si riconferma grande conoscitore del femminile, in ogni sua forma, dalle pulsioni sessuali fino ad i disordini alimentari.

Film denso e incredibilmente completo.

9.5/10

Buona Pasqua con John White Alexander

2010-04-02T16:37:00.012+02:00

Ringrazio Filippo per la segnalazione dei dipinti, e auguro a tutti una Pasqua serena.

Tutto o niente (2002)

2010-04-01T19:07:00.004+02:00

Film di Mike Leigh regista britannico, un esponente del neorealismo inglese.

Al centro delle vicende tre famiglie che abitano la periferia londinese, un particolare occhio di riguardo viene dato alla quotidianità di Phil e Penny e dei loro due figli.

Questo regista possiede la capacità di rendere i personaggi persone umane, molto umane, talmente umane da indurre lo spettatore spesso nell'imbarazzo, come se stesse sbirciando nella vita di qualcun altro. L'ambiente in cui vivono, a differenza di Ken Loach, non possiede una carica di denuncia evidente, ma è intrinseca in certe immagini ed in certe situazioni: i grandi palazzi popolari, le strade squallide dell'ambiente suburbano, i lavori senza possibilità di emancipazione e di carriera, la povertà e la sopravvivenza quotidiana, ecc. Quindi quello di Leigh non è un impegno sociale immediato, ma assolutamente deducibile. A fare da primo piano nei suoi film, sono le storie d'amore e d'affetto, quelle che si vivono all'interno di quel contesto, ma che sono universali e riadattabili a qualsiasi altro ambiente. Le dinamiche tra i personaggi non sono mai esplicite, i caratteri si esprimono sempre attraverso il turpiloquio, gli sguardi, i gesti, i comportamenti. Niente viene spiegato, ma solo intuito e alla fine compreso, proprio perchè estremamente umano. Gli abbracci e le lacrime, le grida e le porte sbattute, non sono altro che sentimenti muti, espressi per vie traverse. E in queste espressioni si racchiude il male di vivere, l'inadeguatezza verso una condizione umile impossibile da accettare, e una difficoltà nel richiedere e nel dare amore causata proprio da contesto in cui si vive. Ma alla fine di tutti i suoi film, Leigh ci regala una speranza, e questo film non fa eccezione.

8/10

Alice in wonderland

2010-03-31T12:35:00.002+02:00

Diciamo che più che un film è un compromesso, tra la Disney che cerca la vendita di gadget e si contiene da diversi anni a questa parte in un solo tipo di film (inizio che scivola dalla realtà alla fantasia--->percorso dentro la fantasia con varie creature e situazioni--->lotta tra il bene e il male----->finale melenso con addii e saluti) e un genio, quello di Burton, che per quanto ci provi, non riesce a rientrare in nessun canone (se non nel suo) senza scivolare nell'errore. Si sente che questo film avrebbe potuto essere un capolavoro, l'otto e mezzo burtoniano. I presupposti c'erano tutti, bastava che si lasciava guidare dal non sense di Alice, bastava che lo lasciavano libero di fare, di sceneggiare, di costruire una storia suasulle basi di quel fottuto capolavoro che è Alice. E a tratti questo traspare, nella caratterizzazione della regina rossa o nella messa in scena del tea party, così malinconico e lugubre: ed io in quei momenti qualche brividino l'ho provato...io che non sono mai stata una burtoniana, ma che ho sempre considerato Burton un genio pazzo, un cappellaio matto del nostro millennio, un artista a 360 gradi, così personale e così prorompente. Però l'impressione che si ha durante la visione, è che il genio abbia ceduto al business, che la sua arte si sia prostituita come una vecchia baldracca, che una volta era splendida, ma che adesso comincia a diventare patetica e sovraccarica. C'è troppo di tutto, e al tempo stesso c'è il vuoto artistico. Non credo che Burton non abbia più le carte in regola per giocare la sua partita, io credo (e da questo film ancora si nota) che il genio sopravvive, però deve tornare ad essere libero, deve tornare a creare per se stesso, deve tornare ad essere folle e a non allineare le matite temperate (chiedo in prestito una scena de Gli Incredibili) sulla scrivania. Burton non può essere un impiegato, qualcuno gli dia carta bianca...oppure si prenda una pausa e ritorni ad essere se stesso.

Il film non è brutto, ma non è all'altezza del suo autore.

incontri e solitudini

2010-03-30T15:16:00.001+02:00

incontri e solitudini
Inserito originariamente da diane selwyn

The boys are back (anticipazione)

2010-03-30T10:18:00.005+02:00

Australia: Joe, dopo la morte prematura della moglie, si trova solo con il figlioletto e si inventa un rapporto libero e quasi animalesco, fatto di momenti euforici, ma anche di difficoltà. Le cose cambiano nuovamente quando a raggiungere la coppia arriva Harry, figlio adolescente di primo letto, con il quale Joe impara a rapportarsi, pur non conoscendolo.

Clive Owen l'ho trovato

calato perfettamente nel ruolo, molto, molto bravo...finalmente credibile! (negli ultimi ruoli è stato solo ridicolo).
Film che sotto certi aspetti mi ha ricordato Kramer contro Kramer, il recupero del rapporto padre-figlio è ben delineato e realistico. Non ci sono sbaciucchiamenti o abbracci fuori posto (mi riferisco al figlio più grande), ma solo complicità e affinità nei desideri e nello stile di vita. Il contrasto tra il college inglese e la selvaggia Australia è metaforico di un rapporto (quello tra genitore e figlio) che può essere libero e istintivo (Joe) oppure dettato da regole e dettami legati all'apparenza più che alla sostanza. Il figlio più grande sceglierà l'amore del padre perchè libero e spontaneo. Nonostante viva "like a pig" e dimostri più di una volta l'incoscienza tipica del lato maschile genitoriale, incoscienza che Harry pagherà caramente.
Non mi è piaciuta molto la parte iniziale, la scelta di mostrare l'agonia della moglie, l'ho trovato superflua e dolorosamente gratuita. Invece le apparizioni della moglie mi sono piaciute, sono domande verso le quali Joe cerca risposte, in realtà non è la moglie a rispondere, ma è lui stesso a prendere le decisioni, supportato dai ricordi della donna che ama. Di vere apparizioni se ne parla solo una volta (la madre di lei) però non ci vengono mostrate. E mi è piaciuta la scelta di far vedere ciò che è possibile (il ricordo di una persona scomparsa che aiuta a vivere) e di non mostrare ciò che è inutile (visioni legate al dolore di una perdita).
In ogni caso un film che si esplica soprattutto nel dialogo tra Joe e Harry al pub, l'importanza del ruolo paterno e la tendenza che generalmente abbiamo un po' tutti nel pensare che un figlio piccolo abbia più bisogno di una madre che di un padre. Grande, grandissimo errore.

7.5/10

Francesca e il pollice rosso

2010-03-27T08:32:00.006+01:00

Devo potare le rose.

Devo trapiantare i fiori nei vasi.

Devo sistemare le aiuole.

Perchè il pungitopo non mette le foglie?

La forsizia è fiorita, però mi pare rachitica.

Il ciliegio ha le gemme.

Il susino è fiorito, che peccato dov'è messo non me lo godo.

Il prato sarebbe da tagliare (marito provvedi) però ci sono le margherite e un po' mi spiace.

Il gatto si arrampica sulla robinia spoglia, la rovinerà?

La siepe frontale stenta a crescere, mentre la photinia laterale è piena di gemme.

Quella strana pianta inglese che piantai per sbaglio due o tre anni fa, ha fatto morire l'alloro e sta soffocando il rosmarino...che faccio, la levo che fa dei meravigliosi fiorellini rossi?

Le rose appoggiate alle rete sono fottute.

Idem per quanto riguarda il gelsomino.

La magnolia a cespuglio ha le gemme, però mi ricordo che l'anno scorso in questo periodo era già fiorita.

Devo abbellire il pergolato con qualche rampicante.

Il melo mi piace moltissimo, è l'albero da frutto che più amo. Peccato che appena mette le foglie prende un virus che le fa accartocciare.

Il bosso è un po' giallino a causa del freddo. Spero.

I tigli del viale sul quale si affaccia il mio giardinetto sono ancora spogli, ma quando mettono le foglie ed i fiori sprigionano un profumo estasiante.

Devo imparare a piantare i bulbi.

Potenzialmente ed idealmente sarei un'ottima giardiniera.

(Intanto mi accontento della foto della mia pianta dai fiori rossi, non mi è venuta male..)

Sotto la sabbia (2000)

2010-03-25T10:38:00.006+01:00

Altro film di François Ozon, il primo che segnerà la trilogia del lutto.

Charlotte Rampling interpreta Marie, un'insegnante di letteratura che si reca insieme al marito Jean nella loro casa alle Lande per trascorrere una vacanza. Durante il soggiorno, però, il marito scompare inghiottito dall'oceano. La moglie disperata dà il via alle ricerche che però non danno esito. Ritroviamo così Marie a Parigi all'apparenza tranquilla, che svolge la sua vita tra lavoro, palestra e cene con gli amici. Però la donna ha un triste problema, non riesce ad accettare la scomparsa del marito (che molto probabilmente è morto) e vive la sua vita come se la persona da lei sempre amata fosse sempre al suo fianco. Neanche alla fine, di fronte alle prove inconfutabili della morte del marito, Marie sembra accettarne la scomparsa. Fino a quando la sua mano sprofonda sotto la sabbia di quella spiaggia, e un pianto liberatorio la mette di fronte al suo dolore: il dolore della perdita.

Sembra quasi che Ozon in questo bel film, prenda come pretesto la morte e la separazione forzata, per parlare di legami forti e indissolubili. Due persone che si fondono in una sola, che sono un corpo solo. Non a caso Marie vuole vedere i resti del corpo di Jean, per far morire definitivamente la parte di sè che ormai si è persa.

8.5/10

8 donne e un mistero (2002)

2010-03-24T06:58:00.013+01:00

Dopo aver parlato di Angel, continuo a consigliare i film di François Ozon, regista troppo interessante per passare inosservato (non mancherò di scrivere qualcosa anche sul resto della sua filmografia).

8 donne e un mistero è un film che spiazza in continuazione. Girato in un interno, come una pièce teatrale, è un po' sullo stile di Agatha Christie, un po' musical (le otto protagoniste a turno cantano una canzone e ballano), un po' dramma e un po' commedia comica. Caratteristica del regista in questione, è quella di adoperare e rivisitare stili classici che hanno segnato la storia del cinema. La pellicola si pregia di battute intelligenti e riesce ad inquadrare la psicologia e le sfaccettature delle otto donne protagoniste. Un cast eccezionale composto da attrici francesi di nuova e vecchia generazione: Deneuve, Huppert, Ardant, Bèart, Darrieux.

Le vicende che si snodano all'interno della villa in una giornata di neve, girano intorno alla morte del marito di Gaby (Deneuve), trovato morto sul letto dalla cameriera (Bèart). Isolate dal tempo nevoso e dall'impossibilità di comunicare con la polizia (qualcuno ha tagliato i fili del telefono) le protagoniste cercano interrogandosi a vicenda, di scoprire l'assassina.

In realtà oltre al giallo, Ozon cerca un pretesto per approfondire le psicologie delle donne e per trattare i legami strettamente femminili (rancori, invidie, rapporti madre-figlia, sessualità) che legano le une alle altre, e lo fa rivelando pezzettini delle loro vite uno alla volta, come colpi di scena.

Commedia amara che ricorda Cukor per le battute e l'ironia, che profuma di Hitchcock (l'acquistò per fare un film che però non girò mai) per gli elementi legati alla suspence e al giallo, che si rifà al Truffaut di L'uomo che ama le donne. Un gran film, che svela al pubblico internazionale un regista, François Ozon, eclettico e libero nell'espressione della sua arte.

9/10

E' complicato

2010-03-19T10:55:00.004+01:00

E' complicato essere originali con una commedia del genere. Infatti si finisce con lo scivolare nei soliti clichè visti e rivisti, di sorridere con qualche battuta carina, di ammirare l'ennesima buona interpretazione della Streep. Ma anche di adorare le villette americane con prato perfetto, le camere da letto candide e luminose con i fiori nei vasi sempre freschi, l'orto nel quale cogliere grossi e sugosi pomodori maturi, l'assistere estasiati alla preparazione di un croissant al cioccolato, il vedere la famiglia del mulino bianco anche se i genitori sono divorziati, ecc ecc ecc.

Tutto questo è forzatamente finto, però la Streep è sempre la Streep e Baldwin che non è mai stato un grande attore, qui ci mostra un lato diverso. Ma il film rimane insufficiente, anche se non gravemente.

Eden Lake (2008)

2010-03-18T11:17:00.007+01:00

Oggi ho voglia di parlare di un film che appartiene ai recuperi. Pellicola inquietante che ho deciso di vedere dato che sto ripassando la cinematografia di Michael Fassbender, new entry tra "i miei" attori talentuosi. E anche abbastanza carino...diciamo, hem...passabile.

La storia è piuttosto semplice, una coppia di fidanzati innamorati e felici, decidono di passare un weekend immersi nella natura, sulle rive di un romantico laghetto circondato da una foresta selvaggia. Purtroppo le cose non vanno come dovrebbero, quando i due incontrano un gruppo di bulli, una gang di minorenni violenti e senza scrupoli.

Niente di nuovo all'orizzonte, il film sfrutta schemi narrativi e trovate abbastanza usuali che arricchiscono la visioni di suspence e pathos. Però il film è decisamente ben fatto, salti sulla poltrona se ne fanno a raffica, e le tematiche di base sono abbastanza attuali. Fino a che punto arriva la meschinità umana, e cosa spinge i minorenni di oggi a trovare espressione e appagamento nella violenza più bruta? Che significato ha "il branco" ed è vero che basta un solo elemento negativo a trascinare tutti gli altri nell'abisso? Da quale contesto sociale sono circondati questi ragazzi?

Due gli elementi riassuntivi: i filmini fatti col cellulare dall'unica ragazza del branco, che non usa violenza, ma che cerca di catturarla; e i rayban tanto desiderati ed infine ottenuti, dal capetto della gang.

Film indie britannico, che si merita un 7/10.

Shutter Island

2010-03-15T13:53:00.004+01:00

Martin Scorsese...ahi ahi ahi, che delusione.

Film che a mio parere raggiunge la sufficienza sindacale, ma che non ha niente a che vedere con lo Scorsese del meraviglioso Il Promontorio della paura. Per diversi motivi.
Il primo e il più importante, sono i personaggi. Dov'è finito il regista che attribuiva ai suoi caratteri, sia i comprimari che le figura di contorno, uno spessore e una sfaccettatura psicologica da far paura? Dove sono finiti i dialoghi accesi, intensi, intelligenti, che fanno dei suoi film il punto di sincronizzazione tra spettatore e pellicola? Ma soprattutto: dov'è finito Scorsese?
No, perchè mi pare che in questo film ne abbiamo visto molto poco. Perchè alla bellezza di alcune scene (penso alla carrellata della sparatoria, o allo splendido incipit) si contrappongono alcune sequenze (la maggior parte) di una banalità e di una superficialità uniche. In cui un Di Caprio forzatissimo (che in questo film conosce solo due espressioni: preoccupato senza occhio lucido/preoccupato con occhio lucido) si muove tra pazzi più normali dei medici, e tra medici che sembrano usciti dal film "L'invasione degli ultracorpi". Nel senso che sono degli automi inespressivi che non apportano niente alla pellicola, compreso l'immenso Max Von Sydow, che fa la figura del baccalà messo lì solo perchè è Max Von Sydow.
Poi dopo tre quarti d'ora che vedi la faccia di di caprio preoccupato e pensi "mannaggia, mi piacerebbe vedere un uomo" cominci a pensare che non sia la scelta giusta. E mi spiace dirlo, perchè ho sempre difeso quest'attore, non ho mai espresso pareri negativi, sono sempre stata ben disposta. Supportata soprattutto dalla capacità di trasferire emozioni che Di Caprio ha. Ma questa volta e con questo film, penso che a Scorsese farebbe bene cambiare feticcio, basta, non se ne può più. In The departed funzionava, era in parte, anche perchè film corale. In The aviator perfetto (ma quello era un film di Scosese e si vedeva), ma qui in cui l'intera faccenda è affidata ad un film dalle basi traballanti, la faccia immatura e piagnucolona di Di Caprio non fa altro che peggiorare l'insieme.
Tornando alla pellicola, ho trovato la sceneggiatura debole nei dialoghi, sono entrata in sala convinta di provare i brividi che si hanno con film del genere, e invece non ho provato niente. Alcune cose mi hanno fatto persino sorridere "Amore, perchè sei bagnata?"...ma dai....oppure il dialogo col pazzo dietro le sbarre, quello con gli zigomi a punta....forzatissimo. O le varie apparizioni con Michelle Williams, per carità bellissima, ma moscissima e noiosa. Tutte le volte che la sognava, pensavo "oh no, ancora!". Per non parlare del finale nel faro...oddio, quasi imbarazzante nelle spiegazioni dell'arcano, puerile e didascalico.
Insomma: debole e didascalico affronto delle tematiche (ma non è che mi aspettassi chissà cosa), interpretazioni al di sotto delle aspettative e delle capacità, dialoghi al limite del pietoso, sceneggiatura poco convincente.
Un Pasticcio.

Angel - La vita, il romanzo (2007)

2010-03-15T07:54:00.008+01:00

Il regista francese François Ozon si conferma talentuoso, questa volta rievoca il cinema anni 40 per tirarne fuori un melò con tutti i crismi. Angel ricorda Rossella in Via col vento, e incarna l'artista che vive nel suo mondo fantastico, pagandone amaramente le conseguenze. Lo stesso Ozon ha dichiarato che c'è qualcosa di autobiografico nella personalità della protagonista, così chiusa dentro la sua arte da non riuscire a prendere contatto con la realtà. Angel perde la sua identità quando capisce che la sua scrittura può essere non più al servizio di se stessa, ma un mezzo per ottenere le ricchezze che ha sempre desiderato. Prime fra tutte Paradise, un'opulenta villa simile ad un castello di una principessa. L'arte come mezzo per ottenere beni effimeri, contrasta con l'arte personale ed incompresa di Esmé, che al contrario di Angel, si esprime solo per se stesso. I suoi quadri non possiedono ambizione, e rappresentano un mondo grigio e intimo che contrasta fortemente con i colori forti e sfacciati della protagonista. Esmè pagherà per amore, Angel soffrirà per amore, portando entrambi su due strade che si incrociano solo apparentemente. In realtà i due sono distanti anni luce, così come può essere distante il cinema sussurrato e autoriale, da quello strombazzato e volgarmente appariscente.
Insomma, un film che al suo interno possiede molte più tematiche di quanto possa sembrare, un film che parla prima di arte, poi d'amore, in cui lo stampo melò non è altro che un linguaggio per raccontare e per affrontare temi molto più profondi e interessanti.

10/10

RED CARPET (le migliori interpretazioni 2008/2009)

2010-03-04T14:48:00.012+01:00

Mi mancano ancora alcuni film da vedere, ma mi posso già sbilanciare e assegnare le mie medaglie al valore interpretativo di questo biennio. Non sono molte, perchè sono in genere molto severa con le prove attoriali (forse più che con quelle registiche), ma quelle che ho attribuito sono sicure!

Ryan Gosling (Lars and the real girl) Per aver reso viva una bambola
Laura Linney (La famiglia Savage) Incarnazione perfetta delle nevrosi femminili moderne

Daniel Day Lewis (There will be blood) Quando l'uomo si fa film

Paul Dano (There will be blood) Per essersi fatto notare nonostante Daniel Day Lewis
L'intero cast (Gomorra) Uomini persi
Carlo Buccirosso (Il Divo) Mezza sega italiota
Naomi Watts (Funny Games US) Operaia delle emozioni
Heath Ledger (Batman TDK) Brividi di terrore
Christian Bale (Rescue Dawn) Sofferenza e ottimismo nel magnare vermi
Angelina Jolie (Changeling) Chi l'avrebbe mai detto
Leonardo Di Caprio (Revolutionary Road) Capacità continua di farmi ricredere
Sean Penn (Milk) Perfezione interpretativa nell'imperfezione del personaggio

Michael Fassbender (Hunger) fame
Mikey Rourke (The Wrestler) Nessun personaggio
Marisa Tomei (The Wrestler) Dignità
Clint Eastwood (Gran Torino) Padre
Christoph Waltz (Bastardi senza Gloria) Non è mai troppo tardi

MIchael Stuhlbarg (A serious Man) Al servizio del caos

Johnny Depp (Nemico Pubblico) Bye bye Jack Sparrow

IL CONCERTO

2010-03-04T11:43:00.003+01:00

Film assolutamente delizioso e mi sento in dovere di sottolineare lo splendido discorso sull'orchestra e sul significato di esecuzione corale, che Alexeï Guskov pronuncia sul finale. Quando dice che "l'orchestra è il mondo" dice una cosa profondamente vera e assolutamente metaforica nella rappresentazione di quella che è l'unione sovietica, ma più in generale, il mondo di oggi. Anche in questo film si esalta l'importanza della multietnicità, della mescolanza delle culture e del talento "di strada", visto come risorsa fondamentale e nuova dall'arte contemporanea. Perchè attraverso la spinta artistica si raccontano le epoche, i sentimenti, le passioni e si guarda al futuro con occhi diversi. In questo film in cui la storia personale si mischia al capolavoro di Tchaikovsky, il regista si conferma grande autore ironico e al tempo stesso, grottesco. Attraverso la leggerezza apparente dei suoi film, ci racconta mondi sgretolati, e lo fa con grazia e intelligenza.

Che bei film che sto vedendo in questo periodo...

ah, Mélanie si conferma bravissima attrice.

FISH TANK

2010-03-03T12:39:00.001+01:00

Film visto a Londra non ancora uscito nelle sale italiane, consiglio vivamente la visione quando uscirà.

Durante la visione di questo film pensavo ad Avatar, e mi venivano in mente le incoerenze del mondo. Se penso che Cameron ha lavorato più di dieci anni e speso milioni e milioni di dollari per ottenere l'effetto "immedesimazione", quando con film del genere (che evidentemente costano 3 sterline) si ottiene un effetto più prorompente, ma soprattutto, più vero....
La camera si muove, bracca e scruta la protagonista per tutta la durata della pellicola, facendo compiere allo spettatore un processo totale di immedesimazione. Noi durante la visione del film siamo Mia, usciamo dalla nostra pelle per vivere le vicissitudini di un'altra persona. Per questo motivo questo film è un gran bel film. Ma non solo. Le tematiche sono importantissime, fondamentali. I film sull'adolescenza rischiano sempre di cadere nella banalità, qui fortunatamente il rischio è scampato. Il mondo di Mia è un universo stretto e alienate, sembra terzo mondo invece è la civile inghilterra, a due passi dalla città più importante d'europa (non lo dite ai francesi!). Ma in questo mondo cattivo e che non offre prospettive, si consumano e si vivono gli stessi problemi adolescenziali di qualsiasi altro tipo di realtà. Per questo la pellicola è di ampio respiro e offre tematiche universali. Ma nel buio della sua vita, Mia riesce ad aprire uno spiraglio di speranza, che porta il film ad un sano e doveroso ottimismo finale (doveroso perchè il nichilismo altrimenti sarebbe risultato eccessivo).

Ho letto che il film è stato girato seguendo l'ordine cronologico, e che agli attori veniva fatta leggere la sceneggiatura un pezzettino alla volta, settimana per settimana, così da rendere la loro recitazione il più naturale possibile. Questo è un metodo che ho sempre ritenuto molto efficace, e i risultati ci sono.

Invictus

2010-02-28T20:57:00.009+01:00

Quando Clint si mette dietro alla macchina da presa, lo spettatore anche se non sa chi dirige il film, lo sente. Ed ecco che nei momenti in cui Morgan Freeman, nei panni di Mandela, è inquadrato in penombra nella solitudine della sua stanza e partono le note lente e compassate di un pianoforte, tanto simili a quelle di Million Dollar Baby o dei I ponti di Madison County, noi avvertiamo la presenza del regista "invisibile". Di quell'uomo che ha imparato a fare cinema rinunciando al se stesso registico, per dedicarsi alle storie che racconta. Di quell'uomo che si è messo in discussione fino ad assumere un'identità al passo con i tempi (Gran torino). Di quell'uomo che all'età di ottanta anni riesce ad essere moderno nei concetti e nell'espressione dell'America di oggi.
Invictus è prima di tutto un film sullo sport, e i detrattori che lo accusano di essere "retorico" forse non sanno che lo sport è retorica, forse non sanno che i principi che stanno alla base della competitività, della dedizione sportiva e della nazionalità sportiva, si basano su concetti assolutamente retorici. Basta pensare a tutte le volte che parte l'inno nazionale alle premiazioni.
Invictus è un film lucido, solido, di ampio respiro, sicuro, che si muove con passi certi e saldi raccontando una storia che non riserva sorprese, perchè la conosciamo tutti. Sappiamo benissimo tutti come finirà il match che porterà i South Africa Springboks alla vittoria, eppure mentre assistiamo a quella che io considero la scena di sport di squadra più bella della storia del cinema (e lì non c'è retorica, ma solo sangue e sudore), la tensione ci accompagna e non ci lascia mai. Fino alla fine, dove riusciamo pure ad emozionarci.
Ma il film riserva le sue pecche più evidenti nel suo essere troppo dedito alle richieste. Freeman da tempo amico di Clint, ha sempre voluto fare un film su Mandela. Eastwood l'ha finalmente accontentato, e se da una parte ci ha deliziato con la sua regia sempre perfetta e la sua passione, dall'altra purtroppo il film riserva limiti dovuti alle esigenze di soddisfare le richieste dell'amico Freeman.
Eastwood è presente quando introduce ancora una volta il suo tema del "padre putativo" (Mandela padre di tutti i suoi connazionali, ma padre biologico insoddisfatto) o le sue idee antirazziste e di speranza verso una società multiraziale (le stesse di Gran Torino), però è assente quando calca troppo la mano su di un finale che punta più al sensazionalismo che all'intimo. Salvo poi far pronunciare al suo Mandela "I'm the captain of my soul" restituendoci il maltolto.
In definitiva, un film con qualche pecca, ma che io perdono volentieri. Sono errori che al regista del mio cuore, al captain of my soul che tanto mi ha dato in questi anni in termini di emozioni (comunico che sono riuscita a piangere anche con Invictus), che tanto mi ha insegnato, io perdono ancora prima che li commetta.

Scottex Maxirotolo

2010-02-23T10:12:00.004+01:00

Allordunque (ommiodio, mi sento mi' zia!) provata nuova carta igienica e subito mi sento in dovere di recensire. Il suo nome è Scottex Maxirotolo e possiede numerosi vantaggi che adesso vi elenco.

Innanzi tutto dura un sacco, ma proprio tanto! Ogni rotolo ha un enorme numero di strappi. Non contiene profumazioni, e va beh...però ha una trama intrigante (ho mai detto che odio l'aggettivo "intrigante"?). A differenza di alcune concorrenti, non è a rombi nè a nido d'ape, ma è a righine in rilievo. La consistenza è abbastanza morbida e vellutata, il colore è bianco. Va più che bene anche per altri scopi, tipo soffiarsi il naso o struccarsi. Il prezzo non è convenientissimo, però la durata ammortizza la spesa.

Voto 8.5/10

Avatar e Nine

2010-02-22T17:59:00.004+01:00

E' giunto il momento di parlare di Avatar, una delle sòle del nuovo millennio, un pacco noioso e pretenzioso, una pacchianata, anzi, una tamarrata col botto. Un film che fa passare la voglia di andare al cinema, che trasforma il 3d in una paccottiglia di effetti speciali fini a se stessi (invece il film A Christmas Carol era più estetica che sensazionalismo ruffiano). Un film con una sceneggiatura-plagio, in cui si sbadiglia anche parecchio. Un film tanto strombazzato, ma per fortuna del cinema, che tra pochi mesi ci dimenticheremo tutti, anche chi l'ha amato. E poi i na'vi sono brutti.

Ecco, ne ho già parlato.

* il tipo cerchiato di rosso, è un mito!

Altra bella schifezzuola è il film di Marshall: Nine. Musical di scarsa fattura, in cui si raccontano le crisi d'ispirazione di un regista italiano degli anni sessanta. Un certo "Guido Contini" interpretato da un Daniel Day Lewis sprecato. Su di uno sfondo italiano stile pizza e mandolini (i preti, la mamma Sofia Loren, il mare, i bambini che corrono, il Colosseo, la Dolce Vita, la gnocca, i panni stesi, ecc) e intervallato da canzoncine anni sessanta, si snodano le noiose vicende del protagonista, che salta da una donna all'altra, e che parla un inglese con accento italiano. Il film vorrebbe essere un omaggio a 8 e mezzo di Fellini, ma finisce per essere una lunga noiosa e patetica rappresentazione "musicale" del nulla.

Ho aggiornato anche il post relativo a Amabili Resti

Amabili Resti

2010-02-16T17:04:00.005+01:00

Non ci sono parole quando si va al cinema e si assiste a qualcosa che non era preventivato. Non credevo potesse accadere, ma è successo. Mi sono innamorata di questo film. E non ho nessuna intenzione di raccontarlo, bisogna vederlo, bisogna lasciarsi andare e trasportare dalle emozioni legate alle immagini. Le vibrazioni dell'anima.

Edit: invece ne parlo:

Amabili resti sono quelli che impediscono il distacco totale tra la vita e la morte. Susie lascia la vita terrena ma ne rimane ancora ancorata, i punti di contatto sono un braccialetto, un cappellino con i sonaglini, una bottiglia con una nave, un biglietto d'amore, un fiore, delle foto, un ciuffo di capelli. Gli stessi oggetti sono motivo di dolore per la perdita da parte dei familiari, ma anche motivo di preoccupazioni e di legame morboso tra Susie e il suo carnefice. La morte della ragazza è più vita di quella terrena, Tucci si muove dentro la sua tana come racchiuso in un inferno, come perseguitato da una maledizione. Ricrea case per bambole, unico spiraglio fresco e vitale nella cupezza della sua esistenza. Susie, invece, per forte contrasto, si muove nel suo cielo come avvolta dalla vita. E gli unici momenti di buio, sono quelli attraverso i quali lei viene a contatto con la dura realtà: quando vede la famiglia che la cerca, o quando è nel bagno insieme al suo assassino (una delle più belle scene, tra l'altro). Salvo poi "rivivere" nel finale e prendersi quello che all'età di 14 anni ancora non aveva avuto: l'amore. E' in questo struggente momento, in cui i sogni si realizzano tramite la morte, che il lirismo di Jackson si fa più prepotente e sfacciato, in cui esplode tutta la passione sentimentale e romantica propria dell'autore.
Il mondo immaginario, la terra che sta in mezzo, è quella immaginata da una vergine come Susie, in cui i colori, i fiori, i profumi, il mare e i tramonti, prevalgono su qualsiasi altro immaginario. Un mondo in cui le sue amiche ballano sulle zeppe e indossano vestiti colorati. Lo stesso mondo e gli stessi colori che ritroviamo nella sua camera, la camera di una quattordicenne. In questo Jackson è stato coerente e preciso, e tutte le volte che la camera inquadra scorci della cameretta di Susie, non si può non ricollegare tutto al suo mondo ultraterreno.
L'elaborazione del lutto è qualcosa che noi mortali viviamo sempre dalla nostra parte, con Amabili resti invece viviamo la morte da parte di chi il mondo l'ha lasciato. E anche nelle scene in cui Susie non c'è, noi come i suoi familiari (in particolar modo il padre e il fratellino), ne sentiamo sempre viva la presenza.
Il notevole lavoro del regista è stato quello di prendere il romanzo e tirare fuori gli elementi che più l'hanno colpito e affascinato, i paralleli sono futili, ma cogliere i punti essenziali non è da tutti. Jackson è riuscito a farlo, è riuscito a mostrarci gli amabili resti di un romanzo con estrema poesia, ma anche con forza e coraggio, regalandoci un film che non dimenticherò mai.

Inadeguatezza

2010-02-12T14:45:00.003+01:00

Il bello di avere figli è anche che allarghi sempre di più il giro delle conoscenze. Un gruppo di mamme fantasiose e piene di spirito di iniziativa (ovviamente io faccio solo la mascotte) hanno deciso di organizzare per il martedì di carnevale, una festicciola che coinvolge i bimbetti e i genitori. La riunione per decidere il da farsi, si è tenuta ieri sera a casa mia, cioè a casa della persona che meno si applica nell'organizzazione di festicciole e giochi creativi. Cioè a casa della mamma casinista, che guarda le case perfette delle altre mamme con profonda ammirazione e un briciolo di invidia, mentre pensa al casino di casa sua. Cioè a casa della mamma che non prepara le torte fatte in casa tutti i giorni, che non stira perfettamente tutto e che mette via i calzini infilandoli uno dentro l'altro. Cioè a casa della mamma più imperfetta in circolazione. Per l'occasione ho messo ordine, e il mio salotto era abbastanza presentabile. Ma appena le super-mamme sono entrate c'è stato un coro di "oooh com'è accogliente!". Io siccome c'ho una coda di paglia lunga quanto un treno, ho subito tradotto quell'accogliente come un "c'è disordine, la casa è vissuta, quindi è accogliente". E dentro di me ho pensato "eh eh eh, la dovevate vedere solo dieci minuti fa...".

La riunione m'ha messo ansia, già da subito. Chiedo se qualcuna vuole il caffè e le risposte sono state tutte negative, chi soffre di mal di testa, chi non tollera la caffeina la sera, chi ha smesso di fumare e non può sennò dopo viene voglia. Insomma caffè bocciato. Ho chiesto se qualcuna di loro gradiva un po' di tiramisù (fatto con le mie preziose manine) e mi sono sentita come se proponessi un etto di polvere bianca colombiana purissima. "Il tiramisù è veleno! E poi c'è il caffè!" Mi era balenata l'idea di offrire un drink, ma la genialata così come è arrivata si è presto dissolta. Se tanto mi da' tanto, dal momento che caffè e dolce sono Satana e Lucifero, posso immaginare cosa sia l'alcol! Una super-mamma era venuta col figlioletto più grande, un diavoletto di sei anni che continuava a torturare sua madre infilandole le mani gelate sotto il maglione. Per distrarlo, ma soprattutto, per trascinarlo via da quella tortura quasi inguardabile, gli ho proposto di scegliersi un libro dalla mia libreria. Lui si è preso "I Classici dell'Arte-Picasso" e l'ha cominciato a contorcere e lanciare in aria dicendo che era un elicottero. La super-mamma rideva, invece a me giravano i marroni.

La riunione si è svolta per il cinquanta per cento a parlare di episiotomia e per il quaranta a parlare di otiti infantilì. Mai mi sono sentita più ignorante. Mi si è aperto un mondo sulle otiti a me sconosciuto, un universo di antibiotici, di rimedi omeopatici e della nonna che non sospettavo potessero esistere. Mi sono state narrate cose incredibili, esami durante il sonno del bambino per vedere quanto e come respira, per esempio. Eh già, perchè poi l'argomento si è ampliato e sono passate ad approfondire tutte le branche dell'otorinolaringoiatria. E si meravigliavano del mio stupore che io manifestavo a più riprese con estrema ingenuità.

Tralascio i particolari su sull'episiotomia, per ovvie ragioni.

Nel rimanente misero dieci per cento del tempo, abbiamo parlato della festicciola. E' venuto fuori che le mamme dei maschietti portano un piatto salato, quelle delle femminucce un dolce (quelle che hanno sia il maschio che la femmina mi sa che fanno qualcosa di agrodolce), che i genitori devono essere mascherati anche loro (per dare l'idea ai bimbo dell'unione salda tra genitore e figlio anche nei momenti di divertimento) e che mentre le super-mamme organizzano giochi adatti ai piccoli, io mi occupo della musica. Eh già, perchè quando è arrivato il tanto temuto momento della divisione dei compiti, io sono andata di là a bere...non so organizzare giochi, lo ammetto. Ho la fantasia di una lumaca in letargo, so giocare con la mia prole così come giocano gli orsi quando si sdraiano uno sopra l'altro e si riempiono di coccole, ma non sono capace di organizzare giochi ragionati, collettivi, che stimolano la creatività e favoriscono lo sviluppo delle capacità sensoriali dei bimbi.

Devo solo fare un cd in formato mp3 e riempirlo di canzoncine adatte tipo zecchino d'oro, non ho manco tentato di dire alle super-mamme che a casa mia si ascoltano i Pink Floyd e Mozart.

La mia figura da mamma riuscita male l'avevo già fatta.

An Education

2010-02-09T07:29:00.003+01:00

Tre candidature all'oscar 2010 per questo film: miglior film, miglior sceneggiatura non originale e miglior attrice protagonista. A proposito di oscar, non ho ancora esultato sul mio blog per le otto nomination per Bastardi senza gloria? Beh lo faccio adesso: yuppyyyyyyy!!! Anche se sicuramente non ne prenderà neanche uno, come succede sempre ai film di Tarantino, ma non importa. Rimane un capolavoro anche senza oscar.

Ma tornando al film in questione, fa parte di quella categoria di film che io chiamo "evasioni" e che a me tanto piacciono, perchè essenza del cinema stesso. Mi spiego meglio: quando un film riesce a comunicare perfettamente e a spiegare il senso della voglia di evasione diventa anche metacinema, perchè non è forse scopo primario del cinema quello di trasportare la mente fuori dalla dimensione reale? Il cinema non è dunque evasione? Fanno parte di questa categoria alcuni di quelli che io chiamo "miei film", come i Ponti di Madison County, Lost in Translation (dal cui titolo mi sono ispirata a questo blog), Marie Antoinette, Nemico Pubblico, The New World.

La storia si svolge a Londra negli anni sessanta, Jenny una liceale sedicenne si spacca in quattro con lo studio per essere ammessa a Oxford, ma incontra David, un uomo molto più grande di lei apparentemente libero e anticonformista, che la porta a conoscere posti che lei ha solo sognato chiusa nella sua cameretta. Riesce anche a farsi benvolere dai genitori tradizionalisti e conservatori, che accettano la relazione nonostante la differenza di età. Però alla fine Jenny dovrà fare una scelta...

Il film è ben scritto, ottimamente recitato. Descrive la società inglese dei primi anni sessanta, spaccata tra conservatori e progressisti, tra vecchio e nuovo, tra voglia di trasgredire le regole ferree e quella di stravolgerle. Jenny come tutte le adolescenti, sogna mondi irraggiungibili, sogna Parigi, la musica, i teatri e tutto ciò che contrasta il suo piccolo mondo chiuso e grigio. In David trova la valvola di sfogo e forse anche l'amore. La Parigi da cartolina che a metà film sintetizza la fuga, l'evasione di Jenny, è emblematica, simbolo dei sogni. Sembra quasi irreale...ma la vita vera è un'altra cosa, e l'ormai diciassettenne Jenny se ne renderà presto conto.

Bello, nelle mie corde.

TALLVIK

2010-02-04T09:56:00.003+01:00

Ho visto diversi film di cui vorrei parlare, ma mi voglio un po' sfogare parlando di altro. E mi rivolgo agli uomini: dobbiamo fare chiarezza riguardo alcuni punti.

Allora, dovete sapere cari fratelli di sesso opposto, che noi femminucce figlie di Eva, non siamo sempre uguali. Mentre per voi l'attrattiva di un paio di belle tette è costante tutto l'anno, 365 giorni su 365, 24 ore su 24, per noi le cose non stanno così. Noi variamo, siamo esseri mutanti influenzati dagli stati ormonali. Riusciamo a cambiare umore, personalità e gusti più volte in un mese, addirittura più volte al giorno, perchè siamo influenzate dall'andamento e dalla concentrazione ormonale che a sua volta è influenzata dalla luna, dal clima, dall'inclinazione dell'asse terrestre, dal volo degli uccelli, dal censimento di Parigi, dall'andamento della borsa di Tokio, dal grado di acidità del piscio dei gatti e anche dalla lievitazione del pane. Ora, voi lo sapete questo, giusto? E allora perchè vi stupite tutte le volte che in fase pre-mestruale noi donne cominciamo a sclerare? Perchè vi stupite se in quei giorni vi guardiamo con sguardo assassino e piangiamo anche se abbiamo messo troppo zucchero nel caffè?

Purtroppo è successo che proprio in quella fase, io abbia deciso di prendermi la mattinata per andare all'Ikea con il mio dolce e paziente maritino. Obiettivi: il lampadario per la cameretta, le tende del bagno, una poltrona per l'angolo del soggiorno e giàchecisiamo il solito salmone marinato. A parte che il viaggio in macchina si preannunciava come una premessa per litigare. Già, perchè mentre io poeticamente facevo notare la rotondità delle colline punteggiate di romantici ulivi, mister marito mi parlava di massimi sistemi economici e di crisi finanziaria. Capisco che è il suo lavoro, ma non riuscivo ad evitare di sbuffare e alla domanda 'per caso ti annoio?' il mio sarcastico 'ma noooo! mi sto divertendo un sacco a sentire parlare di cose che odio' l'ha buttato un po' giù e si è chiuso in un silenzio tombale rotto solo da un 'ti devono venire le tue cose?'. Ecco, appunto. Da quel momento in poi le cose, direte voi, sono cambiate. Nel senso che il compagno maschio ha capito la situazione pericolosa in cui si trova la compagna femmina e ha adottato misure preventive e cautelative. Macchè...tutt'altro. Dentro Ikea ogni pretesto pareva messo lì per stuzzicare la precaria situazione emotiva della sottoscritta belva inferocita. Praticamente io volevo che lui si interessasse a oggetti diversi dai nostri obiettivi, senza un motivo preciso, ma perchè così, mi andava semplicemente di cazzeggiare. Invece lui con un rigore e una precisione che in quel momento ho detestato, si è attenuto alle spese preventivate e senza manco guardare gli infiniti oggetti interessanti che ci circondavano, si è diretto diligentemente verso le poltrone. Mentre osservava la gamma di poltrone e poltroncine dai nomi impronunciabili e dai colori improponibili (ce n'era una marrone con le fogliolone verdi che faceva venire i capogiri) io senza cagarlo di striscio (espressione toscana, concedetemela) mi allontanavo e facevo finta di non sentire quello che diceva.

io: 'Andiamo a vedere le candele e le stampe?'

lui: 'Ma non siamo venuti per la poltrona, il lampadario e le tende?'

io stizzita: 'E beh? Se io ho voglia di vedere le candele, che fai me lo impedisci?'

lui sarcastico: 'Hai ragione, in effetti a casa nostra manca qualche candela quà e là, e noi vogliamo che casa nostra somigli sempre di più a Brompton'

Passando tra i vari reparti, sono stata colta da amore a prima vista. Un lume rosso metallico, con il paralume foracchiato era in saldo. Per soli 14 miseri euri più lo sconto del 10% per i possessori della card Ikea Family poteva essere mio. 'guarda tesoro, che bello!' e lui 'Ma a che serve? Non fa neanche tanta luce'. Ecco, credo di essere diventata verde dalla rabbia. 'Si può sapere perchè voi uomini dovete sempre pensare che gli oggetti, soprattutto quelli che vanno a corrente elettrica, debbano per forza servire a qualcosa? Non possono esistere cose inutili che vanno a corrente elettrica? Non possono esistere cose inutili, ma belle?'. Il voiuomini m'era uscito dalla bocca proprio bene, ammetto, perchè so quanto lui odi quelle due parole messe insieme e non escludo che l'abbia detto solo per innervosirlo. Ma niente, mi risponde: 'Certo che esistono le cose inutili ma belle, il problema è che questa è inutile e brutta'

La strada dell'uscita è stata presa in silenzio e senza gli acquisti preventivati.

In serata le dighe si sono rotte, e il fiume rosso è finalmente stato libero di scorrere ed io sono ritornata in me, senza bisogno di esorcismo.

La sera a letto ho allungato i miei piedi freddi alla ricerca dei suoi, li ho trovati lì come sempre, caldi e disponibili.

Gli ho sussurrato all'orecchio un timido scusami.

Dimenticavo, il lume rosso C'E'! E' lì che troneggia in salotto sulla consolle. Mancano il lampadario, le tende, la poltrona e il salmone marinato, ma LUI c'è, ed è bellissimo si chiama TALLVIK!

L'importanza di chiamarsi carta

2010-02-01T13:32:00.004+01:00

Chi l'ha detto che devo recensire solo film? In teoria ci sarebbero milioni di cose da recensire, forse anche più importanti del cinema, i pannolini per bambini per esempio. Lo sapevate che i migliori sono i Pampers Baby Dry? Che poi sarebbero quelli classici con l'involucro verde acqua.

Ho deciso di dedicarmi alla carta igienica, che detta così può sembrare una faccenda abbastanza banale e noiosa. In effetti è molto difficile trovare la carta perfetta, quella che carezza soavemente e non arreca disturbo al tatto.

Comincio con la Tenderly Talco. Ho comprato la confezione da 12 rotoli e le conclusioni sono le seguenti: spessore sottile, soffice ma non molto vellutata (e questo è il maggior difetto e ne parlerò in seguito), trapuntatura a rombi, colore bianco, ottimo profumo di talco classico che rievoca ,appunto, i neonati e da' la sensazione del bisognino fatto dal bebè. Quindi è un bisognino santo. I rotoli hanno pochi strappi, quindi se siete dei consumatori folli e usate la carta igienica anche per pulire i vetri, è ovviamente sconsigliata. Consigliata invece, a chi come me la usa per struccarsi (ebbene si, non fate quelle facce schifate, ma è meglio una buona carta igienica, che quegli odiosi dischetti di cotone che inquinano e basta). Perchè la trapuntatura soffice e ben distribuita su ogni strappo, intrappola per bene il latte detergente e quindi viene più facile togliere lo stucco dalla faccia.

Ma veniamo al maggior difetto: dicevo che la carta è meno vellutata di alcune sue concorrenti. Attenzione non sto dicendo che non lo sia, perchè in effetti è sufficientemente flautata, ma con uno sforzo in più potevano fare un capolavoro.

In ogni caso siamo alti, voto 8/10

I segreti di Brokeback Mountain

2010-02-01T10:55:00.010+01:00

Ebbe si, non l'avevo ancora visto...e allora? I vari riconoscimenti prima e la morte di Heath Ledger dopo, mi avevano impedito psicologicamente l'approccio al film. Mi ero sempre detta che avrei dovuto recuperarlo prima o poi, e così è stato. Ang Lee è un regista manierista, ma gradevolmente romantico. Un poeta dei sentimenti. E anche questa volta la sua struggente poesia ha colpito nel segno.

Jack e Ennis sono due cowboy del Wyoming, di quelli veri. Il primo fa anche rodei, il secondo si occupa di bestiame e di pascoli. Tra i due nasce l'amore, un sentimento che durerà per trent'anni, ma che non riesce mai ad essere vissuto fino in fondo. Causa di questo è la condizione sociale e culturale dell'america rurale e conservatrice degli anni sessanta. In questa oasi montanara incontaminata, i due ragazzi scoprono prima la passione e poi l'amore.

L'intera pellicola è giocata sui primi piani dei due uomini, sui loro sguardi. Jack è generoso, Ennis è restìo, chiuso nei suoi silenzi, abbassa di continuo lo sguardo. La paura di amare e di essere amati completamente frena il carattere già ermetico di Ennis. Per lui gli unici momenti di vera vita sono quelli passati con Jack a Brokeback Mountain, a volte passano anche anni tra un incontro e l'altro, eppure Ennis riesce a vivere solo per quello. Jack dimostra invece più ottimismo e coraggio, chiede di continuo a Ennis di poter dividere con lui la vita, ma i problemi e le incomprensioni sociali fuori da quella piccola oasi che è Brokeback Mountain, sono troppo pesanti per essere sopportati dalle gracili spalle di Ennis. E così i due amanti sfortunati, vivono una doppia vita: quella di padri e mariti e quella fatta da piccoli istanti di grande amore clandestino. Fino allo struggente finale...."Jack, I swear"

Jake Gyllenhaal è bravo, ma Ledger è mostruoso, di una bravura impressionante.

Il film è splendido, 9/10

sono solo macchine

2010-01-28T17:03:00.003+01:00

E' strano il rapporto che noi esseri umani evoluti abbiamo con la tecnologia, il più delle volte spegniamo il cervello sicuri che le macchine prendano il posto della materia grigia. Voglio raccontare ciò che mi è accaduto poco fa allo sportello del bancomat, è una scemata, ma è estremamente esplicativa dello stato di morte celebrale a cui stiamo inesorabilmente andando incontro.

Dunque, sono andata a prelevare compiendo i gesti rituali di sempre, quelli che mentre li fai pensi alla biancheria in lavanderia, a tua suocera che ti ha chiamato tre volte, ai calzini bucati di tuo marito, al tramezzino schifoso delle undici, al colore dei capelli da rifare...insomma, pensi a tutto tranne che al PIN o a quello che stai facendo. Come quando si guida percorrendo la stessa strada di sempre. Solo che alla fine è accaduta una cosa diversa dal solito: c'era un tipo dopo di me, e dopo aver ritirato i soldi e la mia carta, mi sono sentita bloccare con un sonoro "Aspetti!!" Preoccupatissima mi sono sentita dire "Signora, deve aspettare!! E confermare di aver terminato le operazioni, altrimenti un altro le prende i soldi dal conto!!". Il tipo pareva intelligente, ben vestito, distinto, ma perchè dice castronerie di questo tipo? In effetti sul display del bancomat era rimasta la scritta "desidera proseguire le operazioni?", ma niente paura dato che la tessera l'avevo ritirata e i soldi pure. Quindi ho deciso di fare un'opera di bene: far capire al tipo che senza tessera non si preleva. Allora, detta così pare una cosa banale, ovvia, ripeto: SENZA TESSERA NON SI PRELEVA. Però c'è un però, la macchina ti fa la domanda e tu se non rispondi che accade? Secondo un ragionamento razionale la risposta è NIENTE, ma secondo un ragionamento dipendente dalla stessa macchina, la risposta è CATASTROFE. Le conseguenze sono: ti svuotano il conto, ti clonano il PIN, rintracciano il tuo indirizzo di casa, ti saccheggiano il frigo, ti mangiano la torta allo yogurt (si, proprio quella che hai fatto ieri) e usano il tuo bagno senza tirare lo sciacquone. E tutto questo perchè quando il bancomat, un computer, una macchina, ti ha chiesto "desidera proseguire le operazioni?" tu gli hai voltato le spalle. Sono stata circa due o tre minuti col tipo a tentare di spiegare che senza tessera non si può prelevare, ma niente...solo dopo, quando me ne stavo per andare, mi sono sentita dire "venga, venga che le faccio vedere!". Ovviamente quando alla domanda "desidera proseguire le operazioni?" lui ha digitato sul si, la macchina gli ha detto di inserire la tessera...

Ecco, se l'uomo non inserisce qualcosa dentro qualcos'altro, questo qualcos'altro non funziona. Non è difficile da capire, non ci vuole molto e qualche volta possiamo tranquillamente voltare le spalle ad una domanda posta da un macchina, e andarcene via fieri di aver scelto di usare la nostra testa.

A SERIOUS MAN e TRA LE NUVOLE

2010-01-25T10:20:00.009+01:00

Comincio col parlare dell'ultimo film dei fratellini Coen. A serious man è un film cervellotico così come le lavagne riempite di formule matematiche del protagonista. E' un film che fa usare il cervello più che la sfera emotiva, o almeno ci riesce fino alla fine, quando sopraggiunge la paura e l'emozione. Sotto questo punto di vista l'ultima opera dei Coen è estremamente coerente coi temi trattati. Le vicende del protagonista si svolgono negli anni sessanta e profumano a tutti gli effetti di autobiografico. Larry è un professore di fisica, ebreo osservante, ha una moglie che vuole il divorzio e due figli: una ragazza che si lava in continuazione i capelli e un ragazzino che si fa le canne e si prepara per il Bar Mitzvah. Ha una vita assolutamente normale che cerca di condurre nel modo più serio possibile. Però ad un tratto accadono tanti piccoli eventi che lo scombussolano. E lui, come qualsiasi persona estremamente razionale, vuole delle risposte ai perchè...diciamo ai perchè dell'eccessiva sfiga? Alcune sequenze sono capolavoriche, altre poetiche (ho amato molto le immagini di quando sale sul tetto di casa per vedere il mondo in un'altra prospettiva) e l'ironia del primo tempo raggiunge vette esilaranti. la parte centrale tende un po' a ripiegarsi su se stessa, ma le ultime sequenze sono molto belle e regalano all'intera pellicola quell'alone di mistero e di incertezza che avvolge la vita di ognuno di noi.

Bello.

Primo film dell'anno, invece, non è stato Avatar (a dispetto delle file chilometriche e del tutto esaurito), ma il nuovo film di Reitman, quello di Juno, tanto per intendersi: Tra le nuvole.

E' una commedia agrodolce che alterna momenti brillanti ad altri decisamente più drammatici. Il protagonista, infatti, è un tagliatore di teste. Un tipo che indora la pillola del licenziamento e girovaga prendendo aerei e attraversando gli USA in lungo e in largo. I temi affrontati sono assolutamente attuali: la crisi economica partita proprio dagli USA, ha causato la perdita del posto di lavoro di molti; la solitudine come scelta sofferta, a discapito di una vita che ti dà punti di riferimento, come quella di chi possiede una casa con una famiglia dentro. Il protagonista, che tanto somiglia al suo interprete (George Clooney), è essenzialmente una persona sola, che come unico scopo ha quello di accumulare miglia di volo. Il film parte molto bene, mi sono piaciute un sacco le inquadrature della valigia, della meticolosità con la quale il protagonista la prepara. Sembra di assistere ad un rituale professionale quasi sacro, tipo quello svolto dai chirurghi prima di entrare in sala operatoria. Benissimo anche le sequenze al check in, che fanno parte anch'esse del medesimo rituale. Bene l'incontro con Vera, però verso metà film qualcosa si guasta. L'ingresso in scena della giovane arrivista fa scricchiolare un po' l'originalità della partenza inserendo luoghi comuni a raffica che non sto ad elencare, ma che mi hanno annoiato alquanto. Alcune sequenze perfettamente inutili, tipo il festino all'hotel di Miami o il matrimonio della sorella con relativo convincimento del cognato. Mi rendo conto che leva di qua e leva di là, il film che già lungo non è, sarebbe durato uno sputo, però tirando le somme mi pare che alcuni elementi ripetitivi (le interviste di licenziamento, l'appartamento di lui, ecc) non facciano altro che allungare il brodo, che già di per sè tanto gustoso non è. Il tema affrontato è "attuale", forse un po' meno "interessante"?

Verso la fine mi sono risollevata...diciamo che la sequenza finale con la mano di Clooney che molla il trolley davanti al cartellone delle partenze, mi ha emozionato, però è stata la parte centrale della pellicola a lasciarmi perplessa. Direi che a livello qualitativo è uguale a Juno, sia per i pregi che per i difetti.

Passabile.

Il parassita

2010-01-22T06:51:00.002+01:00

A volte ho paura, sento il mondo mancarmi sotto i piedi, temo in un calo di attenzioni nei confronti delle mie responsabilità, sento il peso della vita accumularsi sulle mie gracili spalle. E' in quei momenti che mi accuccio come un gatto vicino a te, mi tiro il plaid sulle gambe, mi appoggio su di te. Su quel divano che ha visto di tutto e ha sentito tante storie, su quel divano che ogni tanto lavo dagli odori della vita rendendolo vergine e puro. Metto il rivestimento in lavatrice e lo resetto per farlo ripartire, pronto all'ascolto di nuove storie, pronto a subire i rigurgiti di altro latte, pronto ad assaporare impronte di nutella, tracce di fumo e zaffate intense di caffè. E mentre distrattamente tu leggi, io attingo energia da te, così come un parassita trae linfa vitale dal suo ospite. Perchè il parassita non ha vita autonoma, ma dipende dal suo ospite al quale è più o meno intimamente legato. La relazione tra parassita e ospite può essere anatomica, di sicuro è fisiologica. Il parassita ha una struttura morfologica più semplice rispetto al suo ospite, il ciclo vitale più breve e ha rapporti con un solo ospite. A volte accade che il parassita infetti il suo ospite, procurandogli malattie e infezioni che potrebbero anche farlo morire. A quel punto muore anche il parassita.Mio caro ospite, prometto di mantenere l'igiene e di non infettarti, tu però promettimi di sederti sul divano sempre così, di passare sempre la tua mano tra i miei capelli, di riempirmi di dolci e lievi pizzicotti, ma soprattutto promettimi di sorridermi come fai sempre.Perchè a volte vedo il buio davanti a me, e tu accendi sempre la luce che mi mostra la vita.

4 mesi, 3 settimane e 2 giorni

2010-01-21T07:28:00.002+01:00

Ho rimandato all'infinito la visione di questo film rumeno di Cristian Mungiu. E' del 2007 ed ha vinto la palma d'oro. Rimandavo perchè il tema, l'aborto clandestino, mi ha sempre frenato. Non avevo voglia di vedere immagini dolorose che scuotono la parte più sensibile del mio essere donna. I film che trattano il tema li ho sempre accuratamente evitati, infatti. Ma non potevo mancare alla visione di questo, soprattutto perchè descrive realisticamente l'atmosfera rumena degli ultimi anni del regime Ceausescu. E' la storia di una studente universitaria che aiuta l'amica ad eseguire un aborto clandestino. Quello che colpisce del film è sicuramente l'atmosfera soffocante di una nazione che limita il pensiero e i movimenti. Mi sono sentita legata anche fisicamente, e le immagini squallide sia degli interni che degli esterni, rendono la pellicola dura da digerire. Lo stile è realistico e la scena della cena intorno al tavolo a casa del fidanzato della protagonista, è quella che mi è piaciuta di più.

Una nazione e delle persone senza futuro, uno spaccato di solitudine interiore e di sofferenza. Molta disperazione.

Conclusione? Preferisco un altro tipo di cinema.

voto: 6.5

Ci sono tre modi per cucinare il cibo: quello giusto, quello sbagliato e come lo cucino io

2010-01-19T07:16:00.000+01:00

Ieri sera sono tornata a casa tardi e generalmente quando succede ciò, il mio dolce e premuroso maritino mi fa trovare qualcosa di commestibile pronto in tavola. Ieri però si è occupato tutto il tempo della prole, così non è riuscito a fare niente, se non sfamarla e metterla a letto. Nel silenzio irreale di casa mia, ho deciso che mangiare una mozzarella e un'insalata equivaleva a sciupare l'atmosfera tra me e lui. Va bene che l'anima si nutre solo di sguardi, ma la fame è la fame, non è che puoi ignorarla! Così ho aperto il frigo: tristezza. Non c'era un gran che, solo l'ormai onnipresente insalata, gli onnipresenti mandarini, due confezioni di ravioli, una di salmone affumicato, il succo di frutta avanzato di mio figlio e ovviamente le mozzarelle. Come dicevo? Ah si: tristezza. Mi sono detta 'echeccazzo' e ho dato libero sfogo alla fantasia.

Ed ecco la ricetta per il sughino dei ravioli: ho messo a rosolare un battuto di aglio e prezzemolo con due cucchiai di olio, dopo pochi minuti ho aggiunto una scatoletta di tonno e ho fatto insaporire. In freezer avevo una piccola confezione di gamberetti sgusciati, ecco, ho aggiunto pure quelli al tonno. Dopo ho preso il salmone affumicato, l'ho sminuzzato con la mezza luna (adoro tritare con quello strumento) e l'ho unito al tonno e ai gamberetti. Poi ho sfumato il tutto (quando ha cominciato a sfrigolare) con il prosecco di Valdobbiadene. La consistenza non andava bene, ci voleva un legante. Così ho preparato a parte una leggera besciamella con mezzo litro di latte, poca farina (vado ad occhio, ma su per giù saranno stati tre cucchiai) e una noce di burro. La besciamella deve risultare poco densa. L'ho aggiunta al preparato, e ho messo sale (non tanto perchè il tonno e il salmone sono già salati), pepe e peperoncino. E alla fine quando tutto pareva perfetto, ho aggiunto il tocco di classe: una bustina di zafferano.

Ho immortalato il sugo:

Io sono modesta, quando occorre, ma in questo caso non me la sento di esserlo. Posso assicurare che i ravioli conditi con questo sugo sono paradisiaci. E ovviamente vanno accompagnati con lo stesso prosecco utilizzato (va bene anche lo champagne o un vino bianco asciutto) per sfumare il sugo.

P-A-R-A-D-I-S-I-A-C-I

Sherlock Holmes, A Christmas Carol e I love you man. Tre in un colpo solo.

2010-01-18T15:04:00.002+01:00

Riprendo in mano le mie considerazioni cinematografiche dopo lunga pausa, e lo faccio con un trittico di pseudo cazzate, che però a tratti fanno bene alla panza di una cinefila a digiuno da troppo tempo (tre settimane?).

Comincio col meglio e finisco col peggio: Sherlock Holmes. Film che ama il cazzeggio, così come il suo regista. Il simpatico Guy Ritchie ci propina un investigatore lercio e drogato, che si diverte con le droghe e le lotte stile Figth Club. Il film si snocciola leggiadro e scorrevole, regalando allo spettatore momenti divertenti e rocambolate registiche niente male. Notizia fresca di giornata è il Golden Globe a Robert Downey J. come attore protagonista...mi pare esagerato, ma ormai questo attore (bravo, eh) lo premierebbero anche se facesse la pubblicità dei plasmon.

Tornando al film: belle le ambientazioni, carina ma non originale la trama, ottima la regia. Peccato però che i contenuti sono un po' usa e getta, e dopo qualche giorno uno si può anche dimenticare di aver visto il film di Ritchie. Va beh, piuttosto scontato un sequel.

Continuo con A Christmas Carol. Film del grande (mi sembra il caso di dirlo) Zemeckis. Qui andiamo sul classico, nessuna variazione al fortunato racconto di Dickens, recitazione ineccepibile del camaleontico Jim Carrey. C'è anche Gary Oldman (oltre a Colin Firth) e scusate se è poco.

Se non fosse per il digitale e il 3d, il film sarebbe scivolato via con estrema indifferenza da parte della sottoscritta. Ma visto in periodo natalizio con gli occhialetti e la neve fuori dalla sala cinematografica (e anche dentro, dato che gli effetti 3d regalavano i fiocchi di neve anche in sala) ha lasciato traccia. In ogni caso il racconto di Dickens non mi stuferebbe mai, anche se ne facessero 100 versioni cinematografiche...ma forse ne hanno già fatte più di 150.

Passiamo alle note dolenti: recuperato I love you man. Filmetto commediola senza vette, senza novità, senza entusiasmo, ma soprattutto senza niente di cui parlare. Il film si regge su di una trama scontata e debolissima, quasi mi hanno fatto pena gli sceneggiatori. Si tira avanti nella visione con enormi sbadigli, a forza di inerzia, provando quasi pietà per quelle scene e quelle battute stiracchiate, forzate. Sembrerebbe che qualcuno abbia detto agli sceneggiatori: 'andate e fate ridere'. Peccato che il film, oltre a non avermi strappato neanche un sorriso, mi ha provocato istinti omicidi nei confronti della coppietta perfetta dei fidanzatini, per poi procurarmi istinti omicidi nei confronti della coppietta perfetta dei due neo amichetti. Bleah.

Vivere Spettinata (per tutte le donneeeeeee)

2010-01-15T07:09:00.000+01:00

Oggi ho imparato che bisogna lasciare che la vita ci spettini, perciò ho deciso di vivere la vita con maggiore intensità.
Il mondo è pazzo. Decisamente pazzo...
Le cose buone, ingrassano. Le cose belle, costano. Il sole che ti
illumina il viso, fa venire le rughe. E tutte le cose veramente belle di
questa vita, spettinano...
- Fare l'amore, spettina.
- Ridere a crepapelle, spettina.
- Viaggiare, volare, correre, tuffarti in mare, spettina.
- Toglierti i vestiti, spettina.
- Baciare la persona che ami, spettina.
- Giocare, spettina.
- Cantare fino a restare senza fiato, spettina.
- Ballare fino a farti venire il dubbio se sia stata una buona idea
metterti i tacchi alti stanotte, ti lascia i capelli irriconoscibili ...

Quindi, ogni volta che ci vedremo, avrò sempre i capelli spettinati...

Tuttavia, non dubitare che io stia vivendo il momento più felice della mia vita. E' la legge della vita: sarà sempre più spettinata la donna che scelga il primo vagoncino sulle montagne russe di quella che scelga di non salire...
Può essere che mi senta tentata di essere una donna impeccabile,
pettinata ed elegante dentro e fuori.

Questo mondo esige bella presenza: pettinati, mettiti, togliti, compra,
corri, dimagrisci, mangia bene, cammina diritta, sii seria...

Forse dovrei seguire le istruzioni però... quando mi ordineranno di
essere felice?
Forse non si rendono conto che per risplendere di bellezza, mi devo
sentire bella... La persona più bella che possa essere!

L'unica cosa che veramente importa è che quando mi guardi allo specchio, veda la donna che devo essere. Perciò, ecco la mia raccomandazione a tutte le donne:

Abbandonati, Mangia le cose più buone, Bacia, Abbraccia, Balla,
Innamorati, Rilassati, Viaggia, Salta, Vai a dormire tardi, Alzati
presto, Corri, Vola, Canta, Fatti bella, Mettiti comoda, Ammira il
paesaggio, Goditela e, soprattutto, lascia che la vita ti spettini!!!!

Il peggio che può succederti è che, sorridendo di fronte allo specchio,
tu ... debba pettinarti di nuovo

Autore Ignoto

Mad Men (ovvero, il trionfo del politically scorrect)

2010-01-14T10:58:00.001+01:00

Ci siamo, sta notte causa insonnia dovuta a jet lang vacanziero, mi sono sparata le ultime puntate della terza serie di questa droga sotto forma di immagini televisive. Ero titubante, il mio amico Dexter mi aveva lasciato in uno stato di dipendenza totale, tale da non riuscire ad introdurre nel mio organismo nessun altro tipo di droga. Invece dai che ti ridai, puntata dopo puntata, mi sono ritrovata Mad Men-dipendente.

La domanda di chi legge potrebbe essere: perchè definirla politically scorrect? Semplice, perchè lo scopo della serie -oltre allo scavo psicologico dei personaggi e della società americana degli anni sessanta, oltre allo studio dei rapporti interpersonali e delle dinamiche umane dentro gli uffici-istiga al fumo, all'alcol, al tradimento e alla stronzaggine. Questa serie farebbe venire voglia di bersi un doppio scotch on the rocks anche al più incallito tra gli astemi, farebbe riprendere a fumare anche un malato terminale di cancro ai polmoni, indurrebbe al tradimento il più fedele dei mariti e al razzismo e all'omofobia il più mansueto degli esseri umani. Viviamo in un periodo sociale e storico, in cui si montano casini e questioni morali (negli Stati Uniti, ovvio) se un personaggio di Avatar (l'ultimo film di Cameron) accenna ad accendersi una sigaretta...beh, i signori che si indignano disgustati, dovrebbero vedere Man Men, basterebbe metà di una puntata qualsiasi per farli stramazzare al suolo scandalizzati.

Però quelli erano gli anni sessanta...adesso nessuno fuma più negli uffici, gli omosessuali sono liberi di viversi la loro vita, non si beve più e non si tradisce più. E abbiamo Obama come presidente degli USA.

Adesso siamo tutti più buoni e più puri. Quasi quasi mi iscrivo anch'io al partito dell'amore.

i tuoi occhi

2010-01-11T18:15:00.000+01:00

Paesaggi innevati, e i tuoi occhi

Freddo, e i tuoi occhi

Tè caldo, e i tuoi occhi

Odore di tabacco, e i tuoi occhi

Schiuma da bagno, e i tuoi occhi

Castelli, laghi, mostri, e i tuoi occhi

Ristoranti, pub, gente, fumo, strade, negozi, sabbia, oceano, strane creature, paura, sonno, amore, desiderio, mancanza, attesa, comunione, parole, silenzio, confidenza, distacco, unione, colazione, brioche

e i tuoi occhi, i tuoi occhi sempre.

Buon Natale!

2009-12-22T14:51:00.000+01:00

Buone feste a tutti...direttamente da casa mia!

La principessa e il ranocchio

2009-12-21T08:56:00.000+01:00

Lo ammetto, ho pianto. Attimi di poesia: la lucciola innamorata di una stella, amore impossibile, platonico, universale, divino.
Lo ammetto ho riso: Charlotte, ragazza viziata, logorroica, superficiale, invadente, ricca. Irresistibile.
Lo ammetto: sono stata bene.
Disney è tornato, niente computer grafica, solo disegni e fantasia. I difetti non mancano, troppi pasticci nella scelta degli elementi da inserire nella storia. Si passa da personaggi umani a animali, da cattivi a buoni, da flashback a canzoni, con troppa facilità, e si mischiano temi classici delle varie favole precedentemente affrontate dalla Disney, rigirandoli e riproponendoli. Ma c'è un po' troppa carne al fuoco, che spesso crea confusione ed eccessi. Più rigore non avrebbe guastato, meno orpelli non avrebbero conferito alla pellicola meno merito.
Rimane un bel film godibile, non annoia, ma regala attimi di puro piacere.

500 giorni insieme

2009-12-06T10:35:00.000+01:00

Aaaaaah, che bella boccata d'aria questo film! Finalmente qualcosa di fresco, di semplice, di diretto, di sincero, di libero. Almeno questa è l'aria che si respira in questo primo film di Marc Webb (regista che terrò d'occhio in futuro). La storia non ci racconta niente di nuovo, non ci "illumina", ma sicuramente rapisce il modo in cui viene raccontata. Si basa su di una linea temporale di 500 giorni (linea che avanza e indietreggia in continuazione) in cui due persone vivono una storia d'amore. Il film è caratterizzato da continue variazioni di stile, che rendono la commedia attraente e la storia tra Sole e Tom interessante. Il regista con occhio acuto, riporta sulla pellicola i comportamenti umani nelle varie fasi dell'innamoramento e ribalta i cliché. Questa volta il romantico è lui, mentre la cinica è lei. Acuta osservazione sia dell'universo maschile che di quello femminile, che mai come in questi ultimi tempi, sta inesorabilmente cambiando. Ma dietro all'apparente disillusione di Sole, si celano le paure e le incertezze di una donna che non conosce ancora l'amore e non riesce ancora a lasciarsi andare.
Bell'esordio per Webb.

Inverno

2009-12-03T10:33:00.000+01:00

Tetro-Segreti di famiglia

2009-12-01T17:04:00.000+01:00

Purtroppo quest'ultimo Coppola non riesce ad emozionarmi, nè a farmi riflettere. Infatti encefalogramma piatto anche per questa volta...un cinema morto o in stato comatoso, in cui figure piuttosto banali e unidirezionali, si avvicendano in una storia che non contiene al suo interno nessun elemento interessante. Ho trovato persino fastidiosa la caratterizzazione dei protagonisti, a partire da Tetro, pazzo, avviluppato nel dolore, scrittore genialoide che scrive al contrario. Un clichè nel clichè. Non bastano alcune invettive registiche o la scelta elegante del b/n a dare tono alla pellicola. Purtroppo Coppola brancola, senza sapere bene dove andare a parare. Parla di arte, poi di famiglia, poi di figure paterne ingombranti, poi di dolore e senso di colpa, senza mai però affondare la lama e colpire. Sorvola, ma non atterra mai. E questo caos di concetti e di idee, dà alla fine come risultato, una pellicola frammentaria, altalenante e poco o per niente emozionante. Ho guardato l'orologio più, volte. Cattivo segno.
Non il peggior film che ho visto quest'anno (la palma la do a Antichrist), ma sicuramente una pellicola stanca e noiosa.

Hunger

2009-11-27T11:37:00.001+01:00

Letteralmente "Fame".

E' la storia di Bobby Sands, militante capo dell'IRA, e del suo sciopero della fame in carcere, che l'ha portato alla morte.
Comincio col dire che la visione di questo film è risultata alquanto ostica, soprattutto a causa di una mia spiccata sensibilità nei confronti della sofferenza estrema che percepisco. Sensibilità che mi ha portato a non apprezzare film ritenuti capolavori e a non accettare la visione di altri. Questo non me lo aspettavo così tosto (altrimenti, forse, non l'avrei neanche cominciato), così duro: invece è tremendo. Comunque i nostri eroi (io e le mie paure) ce l'hanno fatta e hanno portato a termine la visione (intervallata da diverse pause per respirare). Alla fine ho giudicato il film bello.
La regia è scarna, essenziale. I dialoghi quasi assenti e il film parla attraverso le immagini, anche perchè in effetti, l'aggiunta di altri elementi avrebbe forse conferito alla pellicola un tono retorico. Non ci sono accenni di prese di posizioni politiche, solo una fotografia: ognuno trae le proprie conclusioni. Le mie sono domande: vale la pena sacrificare la propria vita in nome di un ideale? Qual'è il confine tra dignità e sacrificio? Il rispetto della vita esiste, o e semplice retorica?
Domande alle quali non so dare risposte precise. Ho sempre pensato che il pregio di un bel film sia quello di portare alla riflessione. Questo ci riesce e per lo meno si soffre per qualcosa.

Come Eravamo

2009-11-24T06:22:00.000+01:00

Film di Sidney Pollak, regista che io adoro e che ho deciso di rivisitare dopo alcuni anni che non vedo i suoi film (tranne La mia Africa che ogni tanto mi sparo).
E' la storia d'amore tra Katy e Hubbel, due persone agli antipodi. Ebrea lei, impegnata politicamente, comunista, intellettuale, non bella ma affascinante, seriosa e intransigente. Classico americano lui, appartiene alla upper class, è bellissimo, sportivo, corteggiato e fondamentalmente disimpegnato. La loro storia comincia all'università e finisce a Hollywood dove Hubbel fa lo sceneggiatore. Lo sfondo è quello dell'America nei suoi anni più intensi che vanno dalla fine degli anni trenta alla fine degli anni cinquanta. Era troppo difficile rimanere indifferenti a quello che stava accadendo: Pearl Harbor, la morte di Roosevelt, la caccia alle streghe, il nucleare. E Katy appassionata e dedita alla politica, finisce per perdere di vista i bisogni di leggerezza di Hubbel. Dall'altra parte lui, non riesce ad accettare completamente le differenze tra loro due. Il film è giocato sui dialoghi della coppia, sul passare del tempo, sui problemi, sul riprendersi dopo essersi più volte lasciati. E' una storia tormentata, ma di sicuro c'è amore fino all'ultima sequenza. Il film non è immune da difetti (qualche prolissità di troppo, una non perfetta alchimia tra i protagonisti) ma è proprio questo a renderlo estremamente affascinante. Tra l'altro credo sia uno dei pochi film americani degli anni settanta (forse l'unico) che parla di comunismo e che ha come protagonista una comunista. Il film subì diversi tagli proprio per questo, e purtroppo si notano e rovinano la visione. In ogni caso, come in tutti i film di Pollack, traspare passione vera. E a me questo basta.

Julie & Julia

2009-11-23T09:59:00.000+01:00

Che fame che fa venire questo film!
E' una storia parallela tra Julie, una ragazza trentenne dei nostri giorni e Julia Child, famosa scrittrice di libri di cucina degli anni cinquanta e sessanta.
Aldilà del film, mi piacerebbe commentare il senso di quello che significa il cibo e di come si possa trasformare la propria passione in ancora di salvezza.
Per esperienza personale, posso affermare senza ombra di dubbio, che mettersi ai fornelli per preparare qualche delizioso piattino è sempre una bella e sana azione liberatoria. Ovviamente bisogna avere tempo e ispirazione. Non tutti i momenti sono giusti. Ma quando si sfoglia il libro di cucina per cercare "quel dolce" o "quella ricettina che avevo assaggiato in quel ristorante", si parte col piede giusto.
Le passioni, che siano gastronomiche o meno, servono nel quotidiano per affrontare la ruotine con più energia. Sono il nostro cibo per l'anima, se non ci fossero, che vita sarebbe?
Tornando al film, che dire...Maryl Streep si conferma (come se ce ne fosse bisogno) grande interprete e la pellicola è abbastanza godibile, niente di speciale, ma piacevole.

Il Nastro Bianco

2009-11-23T09:11:00.000+01:00

Il film è passato come una meteora in poche sale sparse per il territorio italiano. I pochi fortunati che sono riusciti a beccare la visione, saranno sicuramente usciti dalla sala con qualche risposta in più e con tanto magone. Haneke è un regista che amo, ma che spesso odio a causa della sua franchezza nel descrivere il male del genere umano. Non usa mezzi termini, ce lo propone in più salse, con la sua solita apparente freddezza, col suo distacco da acuto osservatore. Questa volta sotto il microscopio del regista c'è un piccolo villaggio della Germania del nord alla vigilia delle prima guerra mondiale. Girato in bianco e nero col supporto della voce narrante, ormai anziana, del maestro del paesino, il regista ci mette di fronte ad una storia. E col pretesto del "giallo" ci illustra una tesi sociale. Chi erano i bambini che una volta cresciuti daranno vita al nazionalsocialismo? Nella pellicola le risposte che fanno capire come si possa passare dal nastro bianco alla fascia rossa delle SS.
Se da una parte il lavoro pregevole e elegante del regista austriaco rende il film perfetto, dall'altra il suo prendere il film come tesi sociale, incasellando le persone in categorie nette e definite, non fa' trasparire la necessaria umanità che porta lo spettatore ad entrare in totale sintonia con l'opera.
Mi è mancato il sussulto.

Public Enemies

2009-11-23T09:10:00.000+01:00

Michael Mann affonda il coltello nel melodramma, e ci regala un'emozione che non è rintracciabile in nessuno e in tutti i generi. Il regista che stravolse i confini del genere poliziesco, allargandosi fino alle sfere più intime dell'uomo, ha prodotto il suo capolavoro. Dilata lo spazio ed il tempo, per raggiungere una dimensione sconosciuta e talmente affascinante, da essere senza identità. Perchè anche se Nemico Pubblico è un film che si basa su fatti realmente accaduti e che parla di persone realmente esistite, alla fine della proiezione si è talmente slacciati dalla realtà, da far pensare che più che assistere alla narrazione di una storia, abbiamo vissuto un'esperienza fortemente emotiva.
Nemico Pubblico traccia le linee di due persone (Dillinger e Purvis) consapevoli di giocarsi il tutto per tutto. E nel lasso di tempo che separa il loro incontro, vivono un'esperienza esistenziale che fondamentalmente li fa sentire vivi. Finita la caccia/fuga, non rimane più niente: da una parte la morte, dall'altra l'insoddisfazione esistenziale e la crisi di identità che l'uomo si porta dietro da secoli. Dillinger sceglie una sala cinematografica per giocare con se stesso, per sfidare il fato, per chiamare il suo giustiziere. E nelle sequenze finali, in cui lo spettatore difficilmente riuscirà a muovere un solo muscolo del proprio corpo (garantito!), si concentra tutta la poesia e il romanticismo di Michael Mann. Sequenze giocate sui primi piani e le attese, cariche di passione e anche di malinconia, che riescono a essere indimenticabili. I ruoli si annientano, si gettano le maschere, finisce anche la vita e finisce anche il film.
Questo struggente Nemico Pubblico, è uno di quei film che entrano sotto pelle, che si annidano nelle viscere come degli alien, facendoti vivere esperienze sensoriali uniche e irripetibili.

Bye bye blackbird.

UP

2009-11-23T09:09:00.000+01:00

Ormai è una certezza, ogni appuntamento con la Pixar si trasforma in un incontro con la poesia. Perchè se il cinema può essere terapeutico, nei film che la casa produttrice ci ha proposto da diversi anni a questa parte, troviamo delle panacee efficaci per i mali della nostra vita.
UP è un film che si sviluppa tra realtà e fantasia, che fa bene al cuore e allo spirito. E' la storia di Carl, un uomo comune con alcune amarezze, che si ritrova vecchio e infermo. E' rimasto solo nella sua casetta di legno, aggrappato al ricordo di Ellie, la sua amata moglie che non c'è più. Ma Carl è stato anche bambino, e insieme alla sua compagna, ha sognato un luogo lontano, felice, vicino ad una cascata: hanno sempre desiderato il paradiso. E così Carl, insieme al suo compagno di viaggio Russell, un piccolo scout, intraprende la sua odissea verso l'eden. Perchè quando muore Ellie, muore anche Carl. Solo la forza del suo amore verso la moglie ed il loro sogno comune, lo spinge a sollevare la sua amata casetta con migliaia di palloncini, e a ridargli la vita.
La prima parte del film è qualcosa di travolgente, ogni immagine parla da sola, ogni fotogramma illustra, in assenza di parole, la vita di Carl, dall'infanzia alla vecchiaia. Passo dopo passo spiega senza raccontare, raccogliendo in poche decine di minuti, tutta la potenza dei film Pixar. Le immagini contano, più delle parole.
E così, UP, diventa un film sui sogni, con la consapevolezza che la vita non è un sogno. Ma non è solo questo, diverse le tematiche affrontate da questo piccolo capolavoro: il rapporto di mutuo scambio tra generazioni, l'amore come progetto comune, il rispetto per il diverso, la tutela di tutte le creature, l'importanza e la devastazione dell'urbanizzazione, la felicità fatta di piccole cose, i sogni che s'infrangono.
Carl ed Ellie in cima alle cascate non ci sono stati, ma le loro anime si: le due poltrone sono sempre lì.

E noi spettatori, ci commuoviamo.

Inglourious Basterds

2009-11-23T09:08:00.001+01:00

SE NON AVETE VISTO IL FILM, NON LEGGETE!

L'ultimo film di Quentin Tarantino è il film che mi aspettavo. Finalmente il regista ci svela tutta la sua profonda e sfaccettata poetica, compiendo un trattato sul suo cinema e sulla sua idea di cinema, ma non solo. Chiude momentaneamente un cerchio, quello della vendetta, e ne apre un altro, quello dell'analisi politica.
Chi non ama molto questo regista, esce entusiasta dalla visione, perchè apparentemente la pellicola è meno tarantiniana. In realtà, c'è molto più Tarantino in questo film che in altri. Perchè ci racconta, attraverso le vicende dei bastardi senza gloria, il suo cinema. Questa volta usa un registro classico, basato su lunghi primi piani e sulla suspence.

Il primo capitolo è da delirio per qualsiasi cinefilo degno di questo nome. E' una sequenza perfetta come un diamante, priva di qualsiasi sbavatura. L'autore inserisce in uno scenario che ricorda i film western, un meccanismo a orologeria e un gioco delle parti che farebbe impallidire Hitchcock (io me lo vedo in paradiso che sorride estasiato). E come se non bastasse, riesce pure a inserire un tocco ironico di un simbolismo e di una portata fenomenale, l'enorme pipa ricorda un po' il sigaro megagigante kubrickiano del film "Il Dottor Stranamore". La scelta dei tempi e delle inquadrature, nonchè la potenza dei dialoghi tra il Colonnello Landa delle SS e il povero contadino che nasconde sotto le tavole di legno del pavimento una famiglia di ebrei, fanno di questa scena una delle più belle, non solo di questo film, ma di molti altri film visti negli ultimi anni.
Il secondo capitolo vira, una sporca dozzina, anzi, una manciata di ebrei incazzati reclutati dall'americano un po' tonto ma determinato, signore e signori: I Bastardi. Poi interruzione brusca e terzo capitolo: entrata in campo a metà tra il parodistico e il serio, piena zeppa di metafore e riferimenti storici, l'odiato Fuhrer. E poi Parigi, il cinema, il reclutamento dei bastardi. Fino ad arrivare ad una altra scena splendida: quella della taverna francese. Qui si arriva i livelli del primo capitolo. E' pazzesca la tensione, sono pazzeschi i dialoghi, tutto claustrofobico, girato in meno di tre metri. Si sa che la quiete precederà la tempesta, lo si intuisce, ma non si sa come, non si sa quando. L'autore gioca con lo spettatore e con il film. Prima ti illude, ti fa credere che sta per accadere, e tu pensi "beh, adesso succede", poi ti rassicura, e tu pensi "ah no, allora non succede", poi però un particolare di porta a pensare "ecco, succede, ma quando?" e rimani sui carboni ardenti, fino al momento in cui tutto esplode. Un sospiro di sollievo: la tortura della suspence è finita. Questo è cinema.

Altra scena indimenticabile: la preparazione della vendetta. Una Melanie Laurent molto brava nei panni di Shoshanna, si prepara, si veste di rosso (in tutta la scena c'è un gioco tra nero e rosso, tanto per inserire l'ennesimo simbolismo), si segna il viso come i guerrieri indiani, e tutto sulle note di !Cat People" di David Bowie (l'ennesima dimostrazione di come Tarantino sia un genio anche nella scelta della sua colonna sonora). Molto importante è anche come Shoshanna decide di vendicarsi: lei usa il cinema, si gira un minifilm, decide di bruciare le pellicole per mettere in atto il suo piano.

La scena in cabina di proiezione: in pochi minuti non solo sintetizza tutta la sua poetica sulla donna, ma riesce a spiegare cos'è il cinema, cos'è l'illusione. E' una delle scene più struggenti e romantiche di tutto il film; c'è amore.
L'autore ci mostra quanto il cinema possa far percepire reali delle pure finzioni. Il soldato tedesco in quel momento non è più lui, ma è lui che interpreta se stesso in un film. Questo è un gioco cinematografico subdolo per chi guarda, perchè perdi la cognizione di cosa è reale e di cosa è finzione. La finzione che supera la realtà. E' un tema su cui si potrebbe fare un intero film di tre ore, e Tarantino con una sequenza lo illustra perfettamente in pochi minuti. Lei perde la vita perchè si è fidata della finzione cinematografica, ci ha creduto. Cosa ne consegue? Ad ognuno la propria riflessione.
Poi c'è odio: il cinema gremito dei peggiori gerarchi nazisti, e quindi dei peggiori esseri della storia dell'umanità, si esalta come un branco di troll di fronte ad una preda. Guardano le immagini che glorificano le gesta del loro eroe, e si eccitano, sbraitano e sbavano. Fino alla conclusione, magnifica. Quando uno schermo con una faccia, quella della vendetta, brucia, e non brucia casualmente, ma per mano di quello che è considerato un reietto della società. E così l'autore regala al pubblico una delle immagini più potenti di tutta la sua cinematografia.
Con le pellicole che bruciano (e anche con le scene di Shoshanna che gira il film), Tarantino vendica un cinema di regime, fatto per compiacere, che non ha niente di personale, vincolato e non libero: un cinema che si prostituisce. Nella scena finale di "Death Proof" (la sua pellicola precedente) le ragazze vendicano, uccidendo lo stuntman maniaco, tutti i clichè di un genere cinematografico che le ha fatte apparire oggetto, prima che persone.
L''unico strumento di vendetta che Tarantino ha in mano (e non solo lui, ma anche lo spettatore) è il suo cinema. Lo dicono le bobine che bruciano, lo dice la morte della feccia dell'umanità chiusa, appunto, in una sala cinematografica; lo dice il lieto fine (volutamente non storico). Insomma, il cinema ci regala la vendetta che abbiamo sempre sognato e tanto auspicato, il cinema ci regala le illusioni slacciandoci completamente dalla realtà, e noi lo amiamo anche per questo.
Il film "Le iene" tratta di una rapina, ma non fa vedere nemmeno una sola immagine della rapina. "Bastardi senza gloria" parla dei bastardi, ma in effetti sono solo accennati questi famosi bastardi, non sono i protagonisti. E' un film che basa le sue tematiche anche sullo shoah e quindi sulle nefandezze naziste, ma queste non vengono mai mostrate (eccetto la scena iniziale, che però non è esplicita, in quanto la famiglia di ebrei è coperta dalle tavole del pavimento). Questo è Tarantino, non ha bisogno di mostrare, ma valuta talmente tanto lo spettatore, che sa che non ha bisogno di far vedere ciò che è sottinteso.
Bastano pochi cenni, poche pennellate. Dietro ogni personaggio di questo bellissimo capolavoro, si avverte che c'è una storia da raccontare, ci si potrebbe fare un film per ciascuno, proprio perchè è palpabile lo spessore di ognuno. I caratteri sono molto imprimenti, l'autore è capace di comunicare perfettamente la personalità di ognuno, senza arrovellarsi in complicati dialoghi o situazioni, ma mostrando piccoli e apparentemente superficiali dettagli. Una cicatrice, l'amore per il latte (ma quanto la dirà lunga che un colonnello delle SS sia così fissato col latte?), le sigarette accese una dopo l'altra, strani cappellini, ecc.
Ebbene, non è solo in questo film che lo fa, l'ha sempre fatto. Prendendo il tanto criticato "Death Proof" (che ritorna sempre parlando di Inglourious Basterds), noi abbiamo otto ragazze protagonista. In due ore di film riusciamo, attraverso dialoghi stupidi ed inutili solo in apparenza, a delineare perfettamente, non solo il carattere delle otto, ma anche le abitudini, i vizi, le passioni, le manie, la loro vita sentimentale. Questa è una delle grossissime capacità di Tarantino, è il suo linguaggio, nuovo rispetto al cinema tradizionale, ma assolutamente riuscito.
Come rimanere indifferenti, inoltre, davanti all'interpretazione dello sconosciuto Christoph Waltz nei panni del Colonnello Landa? Che Tarantino avesse la capacità di resuscitare attori sull'orlo del completo fallimento, lo sapevamo già. Ma non sospettavamo che riuscisse a prendere un attore quasi sconosciuto al pubblico internazionale, e a trasformarlo in un mostro di bravura.

C'è una verità storica, e quella è inconfutabile. Poi c'è una finzione cinematografica, e su quella tu puoi sbizzarrirti (tu regista, e tu spettatore). Mantenendo salde le certezze storiche, e cioè conoscendo ciò che la storia ci ha lasciato. In questo senso il film compie una sterzata rispetto allo svolgersi reale degli eventi storici, e la fa in maniera intelligente. L'autore non si limita a sorprenderci di sorpresa, ma grazie al finale, attua un'acuta analisi politica, e non legata solo al nazismo, ma valida e applicabile in qualsiasi contesto. Il Colonnello Landa, diventa alla fine, l'autore dello sterminio dei nazisti. Non lo fa materialmente, ma impartisce un ordine, fa un patto, tradisce ciò che è. Perchè i nazisti non hanno codici morali da rispettare, hanno solo codici legati alla morte. L'ambizione è qualcosa che travolge qualsiasi uomo di potere o che ambisce al potere. Non esiste potere senza ambizione, così come non esiste moralità o codici da rispettare per arrivare al potere e alla gloria. Solo i bastardi hanno delle regole che rispettano, perchè loro non ambiscono, ma vendicano. Analizzando ogni passaggio e ogni ruolo del film, l'analisi politica viene fuori, e alla fine si capisce quanto il gesto del Colonnello Landa sia in realtà devastante. Perchè se da un parte finisce la guerra, dall'altra il suo gesto comunica tutte le contraddizioni dei poteri forti. A me ha fatto molto pensare.

Questo temo sia il film più maturo di Tarantino, quello sicuramente più riflettuto. Molte delle cose che lui ci comunica apertamente in questa pellicola, sintetizzano la sua poetica e la sua idea di cinema. E' una dichiarazione aperta del suo pensiero. Molto meditato, e poi girato in tempi velocissimi, come se Tarantino avesse improvvisamente trovato la chiave da inserire nella serratura e volesse subito aprire la porta, per vedere aldilà. E credo che dalla risposta del pubblico, si possa ritenere soddisfatto.

Frozen River

2009-11-23T09:07:00.001+01:00

E' un fiume di ghiaccio quello che la protagonista di questa triste favola moderna, deve percorrere per trovare di che vivere, per garantire un tetto ai propri figli, per impedire che si nutrano solo di popcorn e di succo d'arancia annacquato.
E' un fiume che mette in comunicazione due mondi, diversi, ma entrambi emarginati. E a fare da confine è una riserva indiana, una delle molte degli Stati Uniti, una di quelle in cui le forze dell'ordine non possono entrare.
Il senso di responsabilità materno non conosce ostacoli, ma la paternità? Tre madri, due oltre la protagonista, mostrano di essere disposte a tutto pur di garantire la sopravvivenza dei propri figli, sono madri sole...madri-coraggio? L'eccesso di nichilismo e perchè no, di acrimonia verso il sesso maschile, rende questo film eccessivo. Troppa ricerca del dolore nell'albero di Natale senza i regali, se poi ci aggiungiamo bambini che praticamente muoiono di fame, donne logore e con le unghie sporche, lavori sottopagati, razzismo, case simili a container, adolescenti cresciuti prima del tempo, traffico di persone, abbandono e disperazione, ecco che la pellicola spinge un po' troppo sull'acceleratore del disfattismo.

Bella e metaforica la giostra costruita dall'unico personaggio che comunica ottimismo e forza.

Chéri

2009-11-23T09:06:00.000+01:00

Stephen Frears torna a dirigere Michelle Pfeiffer dopo anni dal successo de Le Relazioni Pericolose. Il film è tratto da un romanzo di Colette e narra l'amore ai tempi della belle époque tra Léa, cortigiana d'alto bordo famosa e ancora bellissima, ma ormai ritirata a vita privata, e Chéri, giovane e dissoluto figlio di Madame Peloux, ex-collega di Léa, diversa da quest'ultima,sia per bellezza che per classe ed eleganza.
Molte inquadrature mozzano il fiato, sembrano tele di Renoir o di Monet che prendono vita. Molto bella la fotografia, piena, opulenta, colorata. Curatissime le scenografie e le ambientazioni della belle époque. I personaggi comprimari sono quasi surreali, effimeri, e poi c'è lei...splendida, eterea, di una bellezza unica. Interpreta una donna che non appartiene a questo mondo, un angelo irreale e immortale. Avvolge col suo sguardo, comunica tutta la sua solitudine, perchè consapevole di non essere come gli altri e soprattutto di non avere niente in comune con gli altri. La Pfeiffer è talmente brava e ben diretta, che si stenta a capire dove finisce il personaggio e comincia la persona. Credo che questo film sia soprattutto Michelle Pfeiffer, la sceneggiatura e le particolarità della trama, passano sicuramente in secondo piano, sfuggono e praticamente neanche si notano. Tutta l'attenzione viene focalizzata sulla protagonista, ogni mossa e ogni respiro comunica sensazioni divine. Poi arriva la fine e con un'inquadratura immobile sul suo volto sale il terrore, sembra quasi di vedere uno spettro. Finisce l'amore, finisce la vita e finisce anche la Dea.
Se da una parte il film gode di una buona regia tecnica, dall'altra ci sono poche intenzioni di dare spessore e profondità ai sentimenti che si sviluppano tra i protagonisti. Il gioco amoroso che diventa reale, è lasciato a mezz'aria, così come il senso di solitudine e di incomprensione. Non si riescono alla fine, a cogliere le sfumature emotive dei protagonisti, forse a causa anche di una sceneggiatura non proprio perfetta.

Il Dio delle piccole cose

2009-11-23T09:05:00.001+01:00

Per quanto a me piaccia entrare nelle librerie, annusare le pagine dei libri freschi di stampa, frugare tra i remainders, scoprire le nuove uscite, per poi tornare a casa con libri diversi da quelli che cercavo; ho deciso di non tradire il verde della campagna che mi circonda per l'afa cittadina di questi giorni. Così ho ordinato quattro libri su un sito internet affidabile: tre di Chuck Palahniuk, autore che mi ha interessato molto col suo "Survivor", e uno per bambini a sfondo ecologista. La scelta è stata faticosa, questi siti dediti alla vendita di libri e cd, sono una sorta di pozzo di San Patrizio per gli appassionati. Si trova di tutto, in edizione economica e non, e i prezzi sono ottimi.
Vista l'unica esperienza precedente di acquisto internettiano, ho deciso di non usufruire del corriere. Perchè si sa, bisogna passare due giorni chiusi tra le mure domestiche ad aspettare il suono del campanello, senza distrazioni, se lo si vuole intercettare. Anche solo una doccia potrebbe costare la mancata consegna del prezioso pacchetto, o magari un raro momento di relax con le cuffie dell'iPod. La tragica esperienza di essere assente nel momento fatidico, l'avevo già provata. Mi sono ritrovata due giorni dopo in un dedalo in piena zona industriale (sotto Natale), dal quale sono uscita sconfitta e senza libri. I magazzini dei corrieri sono nascosti bene...
Quindi mi sono messa nelle mani della Dea Posta, consapevole che i cinque giorni di attesa forse sarebbero diventati dieci. Ma ho pensato che comunque, se a casa non ci fossi stata ad accogliere il postino, il giorno dopo avrei fatto poche centinaia di metri fino all'ufficio postale. Niente di terribile, in fondo. Quindi il mio acquisto è stata una mossa studiata, pensata, ponderato e misurata. Sia nella scelta del materiale da acquistare, sia nella modalità di spedizione. Passati due giorni ho controllato la posta elettronica, una sollecita mail mi avvertiva che i libri erano stati spediti, e che entro tre giorni sarebbero arrivati. Dopo una settimana dall'ordine ho cominciato a pensare "domani arriva il pacco", e l'ho continuato a pensare tutti i giorni, fino al quindicesimo, quando un cartellino giallo infilato nella cassetta della posta e scritto male da un'impiegata sicuramente svogliata, mi informava dell'arrivo dei libri.
Ecco, io ammetto che ai libri ci ho pensato e anche molto. Mi sono gustata l'attesa, e devo dire che avrei aspettato ancora altro tempo. Quando ho portato a casa il pacchetto di cartone avvolto nel nastro adesivo, me lo sono guardato e ho aspettato. Ho esitato ancora qualche minuto prima di aprirlo, ho pensato che non siamo (non sono) più abituati ad aspettare, che una volta l'attesa di una lettera era una delle cose più belle. Adesso comunichiamo in tempo "reale", perchè il tempo passato ad attendere qualcosa non è forse "reale"? E' qualcosa che rende tutto più soddisfacente. Aspettare per avere qualcosa a cui teniamo e che desideriamo non è tempo perso, è tempo prezioso, è quello che rende un semplice acquisto, un piccolo piacere della vita.
Ho aperto la scatola lentamente, prima ho cercato di vedere se i libri c'erano tutti, senza aprirla del tutto, poi li ho tirati fuori. Eccoli. Quattro semplici volumi, tre Oscar Mondadori e una carinissima e colorata edizione Giunti Junior. Non me li aspettavo così belli, scommetto che se li avessi visti in libreria non li avrei notati. Invece sono meravigliosi, come meravigliosa è stata l'attesa.

The Hurt Locker

2009-11-23T09:03:00.000+01:00

L'artificiere. Con questo film Kathryn Bigelow ci mostra la guerra vissuta dall'interno, cosa vuol dire dipendere dal rischio, non potere fare a meno di giocare con la vita per godere delle scariche di adrenalina. Gli uomini raccontati da una donna, ma non tutti gli uomini. Solo l'artificiere. Il protagonista del film, mostra chiaramente, la sua propensione al gioco con la vita, eppure qualcosa da perdere ce l'ha: una moglie e un bimbo. Ma la droga, come la chiama lui, ormai gli ha dato completa dipendenza. Non può fare a meno di rischiare, è un gioco macabro, una roulette russa, che però non lo porta ad apprezzare ancora di più la vita, ed il suo valore (come invece accade al suo collega). Cerca il dolore quando vuole riconoscere nel corpo del ragazzino- bomba iracheno, un suo amico venditore di dvd piratati, e quando scopre che invece è vivo, lo caccia, come se volesse cacciare il sollievo dal dolore. Non rischia solo lui, ma spinge a farlo anche i compagni che gli stanno intorno, li vuole ferire, portare allo stremo. Li cazzotta, li mortifica, forse li vuole allontanare da una realtà che deve essere solo sua. E' un eroe?

Il film è un capolavoro di suspence, non lascia tregua, stanca, asfissia. La regia è favolosa, giocata tutta sui primi piani, sugli sguardi, sul sudore dei soldati. E' molto di più di un film sulla guerra in Iraq, anzi forse non lo è nemmeno (sommario, per quanto riguarda la descrizione della guerra): e' un film sul suo significato , su cosa spinge l'uomo a cercare il rischio, a sfidare se stesso. Bello il finale, la contrapposizione tra il deserto iracheno e le fila anonime, ordinate e opulente di un supermercato qualsiasi degli Stati Uniti. La cameretta del bimbo, una donna che rassegnata conosce suo marito (una donna tanto diversa dall'uomo...). E la confessione dell'artificiere.

Per lui la guerra non deve finire.

The International

2009-11-23T09:01:00.000+01:00

Per favore, qualcuno faccia sapere al fascinoso Clive Owen (magari Tom Tykwer, il regista di The International) che i Figli Degli Uomini è finito. Che il film di Cuaròn è già stato al festival di Venezia del 2006, che è già uscito nelle sale, che ormai è in dvd da un pezzo, e che Theo si è felicemente dileguato nelle acque londinesi. No perchè a giudicare dal questo The International, Theo è sempre tra noi, col suo impermeabile logoro, con la sua barba incolta, con le borse sotto gli occhi, con la sua bontà e onestà è sempre pronto a lottare contro il male. Solo che adesso non si muove in una Londra fatiscente di un futuro non troppo lontano (quindi come un pesce nella sua acqua), bensì dovrebbe essere un aggiornato agente dell'Interpol, che si sposta tra le capitali europee più moderne con estrema disinvoltura, fino ad arrivare a New York, dove la scena clou del film prende vita. Girata in un museo d'arte moderna di NY, è una delle sequenze più esilaranti degli ultimi mesi cinematografici. Per svariati motivi, ma soprattutto perchè l'agente interpretato da Owen, si muove come un goffo sacco di patate munito di armi, spara alla cazzo di cane, digrigna i denti sempre con la stessa espressione. Non sono da meno i comprimari.

Ma veniamo al film. E' piatto come una tavola da surf, è un film d'azione inutile, un international thriller come altri centomila. Ci sono i cattivi-cattivi, il traffico di armi, le banche, il comunista cattivo pentito, il sicario zoppo (ma possibile che in questi film i sicari sono sempre zoppi?), gli agenti dell'interpol intelligenti, più di quei cretini e corrotti dei carabbbbinieri, della gendarmerie, e di tutte le polizie del mondo. E quando Naomi Watts in ascensore gli dice di farsi una sana scopata, lui manco ne approfitta (sarebbe stata invece un'idea carina, avrebbe movimentato il piattume della storia).

Non mi è piaciuta per niente l'immagine che il film traccia degli italiani, sempre questo sottile rimando al popolo dei mafiosi, non esplicito, ma maligno. Poi ci vogliono i due agenti belli e strafighi dell'interpol: perchè tutta la squadra dei carabbbbinieri, più il reparto della scientifica, più la polizia italiana, non ci avevano pensato a tracciare le traiettorie dei proiettili (forse il capitano dei caramba corrotto aveva corrotto tutti i reparti? bwahahahahah). Invece loro intelligentissimi (lei è la mente, lui il braccio) con due semplici asticelle delle bandierine del finto partito di forza italia posizionate nei fori, scoprono tutto.
Un film che pullula di minchiate al cubo, di citazioni e situazioni che sembrano parodistiche (neanche Mel Brooks in grande spolvero avrebbe fatto più ridere), un medio/basso prodotto televisivo, che per far ricordare al pubblico in sala o a casa che pur sempre di cinema si tratta, ogni tanto si fregia di qualche inquadratura ad effetto, studiatissima e artificiosa. Ma purtroppo non basta, rimane una ciofeca di film, che neanche il messaggio anti-capitalistico e anti-liberismo sfrenato (nemmeno molto incisivo, ma contraddittorio in molte parti), riesce a salvare.

Harry Fotter e il principe Mezzo Renatino

2009-11-23T08:58:00.000+01:00

E' un dato di fatto universalmente riconosciuto: il professor Severus Piton, una delle figure più inquietanti e ambigue della saga di Harry Potter (sembra cattivo, ma in realtà è buono, però Harry sa che è cattivo, anche se Silente dice che è buono, infatti lui è una spia dei cattivi, ma potrebbe essere buono dato che Silente si fida di lui, ma alla fine risulta cattivo, oppure è veramente buono e finge di essere cattivo....chiaro, no?) somiglia in maniera inequivocabile alla versione di Renato Zero col giramento di coglioni. E non gli somiglia solo fisicamente, ma ne imita in maniera sfacciata le movenze, la camminata con i piedi papereschi e il colpo di frusta con il quale muove la testa facendo ondulare la chioma corvina, sembra proprio quello del re dei sorcini. Viene addirittura il sospetto che come controfigura abbiano usato Panariello. Per questo, ma anche per altri motivi che mi accingo a spiegare, l'ultimo film di Harry Potter spinge più volte al sorriso.
Ebbene si, il maghetto è in piena tempesta ormonale. Salterebbe addosso a qualsiasi cosa somigli ad una figura femminile, e lo dimostra più volte nel corso del film, per questo mi sento di ribattezzarlo "Harry Fotter", citando il Fotter di "Ti presento i miei". L'inespressivo Daniel Radcliffe, che all'inizio della saga pareva solo un ragazzino un po' secchione e saputello, adesso sembra un ragazzone secchione e saputello, con l'aggiunta dell'ormone impazzito. Nel corso del film non è il solo ad essere colpito dalla malattia ormonale, anche il suo amico Rossomalpelo (Ron, un Rupert Grint che in confronto alla recitazione di Fotter, pare De Niro ai tempi d'oro) è impazzito per lo stesso motivo. Si appiccica (o viene appiccicato?) ad una ragazzina che ricorda la Littizzetto quando fa Lolita. Intanto Ermione, che rappresenta la ragazza seria, è innamorata di lui. Viene spontaneo chiedersi come mai una ragazza carina, intelligente e studiosa, si innamori di un'anonima palla di pelo rossa un po' tonta, con i denti storti e gialli. La risposta è la solita: l'amore è cieco. Il nostro Fotter invece nutre una passione per la sorella di Ron,che fino al film numero cinque, era anonima come le piastrelle dei bagni della stazione. Tutto ad un tratto diventa la nuova messalina.
http://www.vivacinema.it/wp-galleryo/harry-potter-e-il-principe-mezzosangue-nuove-foto/harrypottereilprincipemezzosangue.5.jpg
Ed ecco che il sesto film della saga viaggia tra lo stile di Beautiful e quello di Mosè. Il professor Silente, rettore centenario della scuola, dotato di fluente chioma bianca e barba lunga lunga, pare un ibrido tra Gandalf e appunto, Mosè. Similari anche le situazioni, a metà tra il fantasy e il biblico, nelle quali il rettore si trova (ovviamente sempre in compagnia del suo protetto Fotter).
A parte queste due o tre cosette, il film (quasi tre ore) scorre abbastanza, a tratti affascina grazie ad alcune belle sequenze (il tuffo nell'acqua dei ricordi, per esempio), ad una bella fotografia e ad una graziosa messa in scena. Alcune trovate sono simpatiche, e per chi ha visto anche gli altri cinque, ti fa sentire un po' a casa. La stessa sensazione che si prova con la sigla di Guerre Stellari, tanto per intendersi, o per quella di 007. Però per chi non ha letto i libri, o non ha visto i film precedenti, risulta un po' ardua la comprensione. Alcuni termini potteriani, vengono dati per scontati, e il finale lascia perplessi. Molte carenze forse appartengono più alla sceneggiatura, che alla regia. Viene da chiedersi quante ore sarebbe dovuto durare il film per spiegare e approfondire tutti i temi.

Nota a parte, magistrale Jim Broadbent.

Gran Torino

2009-11-23T08:57:00.000+01:00

Chiusura del cerchio. Finisce la storia di un uomo, arriva la resa dei conti finale, quella che ti mette di fronte alla tua vita e ti chiede di scegliere quale strada prendere.

In un momento in cui la cinematografia tenta sempre di stupire e spesso di allucinare evitando la riflessione, un Clint Eastwood ottantenne entra in punta di piedi nelle sale cinematografiche, regalandoci il suo ultimo capitolo da protagonista. Difficile rimanere indifferenti alle sue storie, questa volta lo è ancora di più, perchè l'epopea del "padre" aperta con Un Mondo Perfetto, continua ancora e giunge al traguardo regalandoci le risposte ai perchè, ma non solo. Gran Torino è un film estremamente stratificato, ricco di riflessioni sociali, allineato con i tempi. In questo periodo di crisi non solo economica, ma anche sociale, in cui gli Stati Uniti riflesso della società occidentale, stanno perdendo la loro vecchia identità per acquistarne una nuova, Eastwood tira fuori la risposta, la chiave per uscire dal bunker delle incertezze. Il sacrificio dei padri deve servire ai figli, ma anche a migliorare un mondo che non è perfetto, ma che sicuramente offre spunti. Non bisogna avere paura dei cambiamenti.

Si ripete il tema padre-figlio, già affrontato in passato, che ha trovato il suo miglior esempio in Million Dollar Baby. I figli non sempre sono sangue del nostro sangue, ma sono le nuove generazioni nella loro interezza, e i padri hanno la grande fortuna di poter trasmettere la forza e la speranza.

Eastwood continua ad interrogarsi su Dio, e probabilmente nemmeno alla fine riesce a trovare le risposte. Attraverso il suo ghigno, la sua voce roca, le sue birre ghiacciate, le armi lucide, il suo incedere da cowboy, il suo ordine e la sua regia asciutta; il vecchio attore/regista ci fa riflettere, ci emoziona e per l'ennesima volta durante la visione di un suo film, mi scendono lacrime di commozione.

Capolavoro.

Revolutionary road

2009-11-23T08:53:00.000+01:00

Senza fare i soliti paragoni sterili e inutili su libro-film, paragoni che ho sempre detestato a causa di mie convinzioni, magari poco condivisibili, delle quali magari parlerò in seguito, provo a buttare giù due righe su questa sottovalutata pellicola.

Solitudine e insoddisfazione nel rapporto di coppia, ma non solo. La non realizzazione dei propri sogni, che rimangono intrappolati nella quotidianità, provocando il tormento e la follia che porta ad un punto di non ritorno. Questo è Revolutionary Road, un film che mostra con estrema eleganza e con cura quasi maniacale della messa in scena, un dramma ordinario, di una coppia aria degli anni 50/60.

Quello che si cela dietro i perfetti e borghesi giardinetti americani, Sam Mendes ce l'aveva già mostrato con il suo American Beauty, che ho sempre trovato antipatico nella suo voler essere indirizzato ad un pubblico "intellettuale" (ovviamente un pubblico intellettuale americano, ben diverso da quello europeo, con tutto il rispetto che nutro per gli americani). Qui Mendes fa un'operazione diversa, semplicemente racconta una storia. Sarà forse per questo che il film ha fatto storcere il naso a gran parte della critica? In realtà nelle angosce di April e Frank (perfettamente interpretati dal duo Winslet-Di Caprio) e nel loro tormentato rapporto, c'è molto altro. Il film è attuale perchè le insoddisfazioni e gli ostacoli alle proprie realizzazioni non hanno epoca. Una vita dedicata alle apparenze, stretta nei vincoli sociali, soffocata dalle regole morali, forse è molto più attuale adesso che in passato. Quante volte non ci sentiamo liberi di mostrare agli altri quello che siamo veramente a causa del conformismo? A me il film ha fatto riflettere, visivamente mi è piaciuto veramente molto, e questo basta per considerarlo uno dei migliori del 2009, per ora (fatte le debite eccezioni) annata fiacca e senza sorprese.

Wall-e

2009-11-23T08:51:00.001+01:00

martedì, 21 ottobre 2008

Riprendo in mano il mio blog, trascurato per assoluta mancanza di tempo, e lo faccio alla grande. Due parole per uno dei film più importanti di quest'anno: Wall-E. La seconda visione italiana non ha peggiorato di una virgola quella statunitense. Grande film, in cui arte digitale, poesia, fantascienza, originalità si mescolano con sapienza. Ne viene fuori un cocktail perfetto, dal retrogusto amaro, ma fondamentalmente dolce, inebriante e aromatizzato alle erbe. La prima parte è da cineteca, rimarrà nelle memorie del cinema. Assenti i dialoghi, presente la magia. Il robottino solo se la cava continuando a fare il lavoro per il quale era stato programmato, quasi con orgoglio e infinita dignità, perchè anche mettere a posto i rifiuti è un lavoro nobilitante. Fruga tra le macerie di un mondo umano estinto, tanti i richiami agli aspetti ludici e artistici della vita quotidiana, che mai più torneranno. Wall-E omaggia il cinema tramite la colonna sonora e un film-tormentone: Hello Dolly. Estasiato impara ad emozionarsi davanti alla bellezza delle immagini, candide e fresche del musical, in un mondo dove predomina il grigio dei rifiuti umani. Tanto amore, profonda tristezza, visione apocalittica e finale consolatorio, non poteva essere altrimenti.
Grande Pixar.

Marie Antoinette

2009-11-23T08:47:00.000+01:00

venerdì, 03 ottobre 2008

Il giudizio di un film dipende moltissimo dallo stato d'animo in cui ci troviamo durante la visione. Quando vidi al cinema l'ultima opera della Coppola, mi aspettavo altro. Nella mia mente sono sempre state impresse le delicate immagini di Lost in Translation, le tematiche sussurrate, il senso di vuoto e la tensione emotiva che la pellicola mi aveva trasmesso. Frastornata dai colori, musiche e costumi, non mi ero accorta che anche Marie Antoinette trasmettesse le stesse identiche sensazioni. (Ri)Visto a casa (con tutti i contro di una visione casalinga), il film miracolosamente si è spogliato dei sovraccarichi e si è mostrato per quello che in effetti è. Un viaggio nella solitudine della gioventù, una galera d'oro nella quale il tempo è noia, la tristezza dell'incomunicabilità, la difficoltà delle relazioni, la superficialità della vita sociale. Giocato tra moderno e antico, pennellato di rosa e celeste, riempito da fiumi di champagne, il film riesce comunque a incutere tristezza in chi lo vede. Ci si riconosce nella protagonista, nonostante sia lontana da noi anni luce, la sentiamo vicina e almeno una volta nella vita abbiamo vissuto i momenti di Marie Antoinette. Sofia Coppola con la sua bellissima e intensa trilogia, ha dimostrato passo dopo passo, di essere cresciuta tantissimo.

Lo scafandro e la farfalla

2009-11-23T08:04:00.002+01:00

Una difficile scommessa questo film, che sulla carta avrebbe potuto scadere nel pietismo, oppure diventare il festival della retorica. Diverse opere in passato hanno avuto queste caratteristiche, ma per fortuna non è stato così per il film di Julian Schnabel. I toni usati sono sempre asciutti, spesso il protagonista (un grandissimo Mathieu Amalric) è ironico, dissacrante, un tantino malefico nel giocare con i sentimenti della madre dei suoi figli.
Durante i primi trenta minuti si vive l'esperienza drammatica in prima persona, la telecamera si sostituisce all'occhio del protagonista e ci si immediesima completamente. Si soffre con lui, ci si arrabbia anche con lui. Poi lo sguardo si allarga, e piano piano si diventa anche spettatori. Fino a raggiungere la mente del malato, vedere i suoi sogni, i suoi ricordi, le sue fantasie. Il film prosegue scandito da un inedito alfabeto, le lettere in sequenza che serviranno a Jean-Dominique per scrivere il suo libro.
I momenti onirici si alternano alla fredda realtà della casa di cura, ad un'amicizia goffa ma sincera, all'amore paterno sia ricevuto che dato, alle cure mediche. Molti i riferimenti alla religione, al significato della fede, all'ipocrisia della preghiera che arriva solo nei momenti del dolore, del bisogno, come una merce di scambio.
Bellissima la messa in evidenza tra l'amore vero, quello che tutto accetta, e l'amore superficiale, il non-amore. Non è retorica, è vita.
Sembra quasi che la storia di Jean-Dominique, la sua agonia, la sua prigionia, siano dei pretesti per affrescare un vero e proprio inno alla vita. Quello che viene costantemente messo in rilievo, non è tanto il dolore, quanto la voglia di vivere. Ed è per questo che Lo Scafandro e La Farfalla è pieno di ottimismo, pur essendo un film triste, contiene più voglia di vivere di una manciata di commedie brillanti.
Il palombaro imbrigliato in fondo al mare è anche una farfalla che vola leggera in cielo.

Ciao Paul

2009-11-23T08:04:00.001+01:00

mercoledì, 01 ottobre 2008

L'arte è la vita ma su un altro ritmo

2009-11-23T08:01:00.000+01:00

domenica, 03 agosto 2008

Bellissima la citazione di Muriel Barbery, tra l'altro è condivisibile in pieno. Ho sempre creduto che l'Arte non fosse qualcosa di estraneo al tangibile del quotidiano, basta cambiare frequenza e la possiamo percepire. Esistono momenti del genere nella vita di tutti i giorni, l'essenziale è accorgersene. Sarà banale, ma trovo artistico un bacio ricevuto da un bambino, o la piccola tenerezza di un gesto quotidiano qualunque.
Ieri mi è capitata una faccenda che secondo me è artistica, e mi sono sentita un po' spiazzata.
Non per fare la dura, ma io di solito non mi spiazzo con facilità e sto cominciando a temere di essere diventata troppo romantica. So che razza di vita ingrata si prospetta a questo tipo di persone, ma non ci posso fare niente. La malinconia mista alla beatitudine degli istanti è una condizione che sta diventando sempre più mia. Risentire, anzi, sentire una persona dopo tanti anni è artistico? Dipende, nel caso mio lo è stato. Tra l'altro lo è stato inaspettatamente. Credevo si sarebbe trattato comunque di qualcosa di piacevole, ma non di artistico. Ed è questa la bellezza.

Batman TDK

2009-11-23T07:55:00.000+01:00

Il significato di quest'ultima fatica di Nolan è tutto racchiuso nel titolo. Il Cavaliere Oscuro, o meglio la nobiltà tetra del senso di giustizia. Gioca tutto sul filo di lana il senso morale di quest'ultimo Batman, si avverte fin dalle prime immagini un equilibrio precario, una costante incertezza e una ambivalenza tra bene e male. Il bianco e il nero forse non esistono, c'è un'infinita scala di tonalità di grigio e lo spettatore viene costantemente sorpreso a farsi domande. Quando l'arte mette in crisi le ideologie e le "certezze", umane diventa grande.
The Dark Knight differisce profondamente dal Batman Begins, nel primo lavoro di Nolan dovevamo fare i conti con le nostre fobie e con l'abilità di trasformare le paure in forza, dovevamo scontrarci con il senso di giustizia e possederlo senza violentarlo. Qui siamo costretti a porci domande, a metterci in discussione, perchè il bene assoluto è un'utopia e sarebbe sbagliato vivere credendo in esso.
Molta America in questo film, in un momento in cui gli States stanno vivendo una profonda crisi ideologica, The Dark Knight sembra calzare a pennello lo stato d'animo della popolazione americana. E' un film specchio, riflette l'umanità e l'attualità, fa parte dei nostri giorni.
Fare cinema rimanendo ancorati alla realtà è stata una costante di questi ultimi mesi, penso a Gomorra e al Divo, film nostrani che descrivono lo stato attuale delle cose. Anche qui, negli Stati Uniti, il grande cinema parla un linguaggio reale. La fabbrica dei sogni funziona ancora, ma c'è voglia di esprimere le proprie paure, l'avevamo notato con There Will Be Blood, con No Country For Old Men e adesso lo avvertiamo con The Dark Knight, film non inferiore ai primi due che ho citato.
Una parentesi necessaria va aperta su Joker, e senza farmi influenzare dai facili sentimentalismi legati alla morte di Ledger, posso tranquillamente affermare che si tratta di uno dei personaggi più riusciti degli ultimi anni. Non solo grazie alla magnifica interpretazione, ma anche perchè rappresenta alla perfezione l'attualità, il film, la follia organizzata dell'umanità, la fragilità delle certezze. Psicologicamente molto ben approfondito, difficilmente riuscirò a dimenticarlo, rimarrà ancorato alla mia memoria così come lo sono Alex DeLarge o Jack Torrence. Joker è il protagonista, non è un attore di contorno, non è secondario. Joker è il film, ne rappresenta l'essenza, è la colonna portante, è uscito magnificamente dalla mente del regista e si è materializzato grazie a Heath. Un Oscar sarebbe meritato, anche se personalmente trovo più prestigioso scapolare l'odiosa statuetta.
Questo grandioso film ultra costoso, non è un giocattolo, non è un popcorn movie, a meno che qualcuno goda di una digestione invidiabile. E' uno specchio dei tempi, peccato però, che Batman non esiste.

Funny Games

2009-11-23T07:48:00.000+01:00

Dopo dieci anni riecco uno dei film più fastidiosi che abbia mai visto, Funny Games, versione USA. E' sempre lo stesso, cambiano i personaggi, i paesaggi, ma la violenza e la cattiveria sono sempre attuali. Si sta male a vedere questo film, si soffre, aspettiamo inconsapevoli il momento del sollievo e del riscatto, arriverà? Chi conosce questo regista conosce anche la risposta. Haneke gioca illudendoci, come fanno i due immacolati ragazzini. Il cattivo è il cinema di Haneke, noi siamo la famigliola borghese per bene, soffriamo e supplichiamo, abbiamo bisogno di mettere le cose a posto, di incasellare il bene e il male. Sentiamo il bisogno di diplomazia ed educazione, non vogliamo sentirci usurpati del nostro comune senso di giustizia. Finzione e realtà spesso sono separati da un confine molto labile, e in questo caso dove finisce l'una e comincia l'altra? E' una tortura subire il film, quasi la stessa che subisce la famiglia modello: un cane buono, un marito/padre inutile in tutto lo svilupparsi della vicenda, una moglie bella e intelligente, e infine un bimbo dolce. Il tutto si svolge in una villa sul lago, una casa di villeggiatura, borghese e perfetta. Insomma tutto idilliaco. A sporcare questa atmosfera rilassata arrivano due ragazzini vestiti di bianco, con le faccine angeliche.
E si comincia a giocare.
Haneke sfida lo spettatore, lo tortura fino a fargli desiderare di uscire dalla sala. La scommessa è: riuscirà lo spettatore a arrivare alla fine del film? Io la scommessa l'ho vinta, ma solo perchè avevo visto la vecchia versione, a spezzoni e con enorme difficoltà.
Consiglio comunque di vederne solo una, io ho preferito questa. Adoro Naomi Watts, che trovo sempre perfetta, e il resto del cast non è da meno.
La regia? Haneke puro, quello di Cachè. Freddezza e apparente distacco.

Il visone sulla pelle

2009-11-23T07:46:00.000+01:00

Comincia con questo film il mio breve itinerario nella commedia americana. Ho scelto That touch of Mink perchè a parer mio è uno dei film che meglio rappresenta il filone romantico che tanto ha spopolato negli anni cinquanta e sessanta.
Il film si regge su di una brillante sceneggiatura, battute spiritose si susseguono senza mai annoiare.
Gli interpreti sono due grandi del genere: Cary Grant (attore di cui ho sempre voglia di parlare) e l'americanissima Doris Day, altro perno del genere.
La storia è piuttosto sfruttata, una cenerentola riveduta e corretta. La ragazza di provincia squattrinata, in cerca di lavoro e piena di sani principi morali, incontra un ricco belloccio playboy, che senza impegno, se la vuole trascinare tra alberghi lussuosi e mete romantiche. Ma non è tanto la trama il punto di forza, quanto le situazioni divertenti e lo scambio di battute spiritose, che rendono il film una chicca del genere.
Obsoleti i contenuti "morali" che il film si trascina dietro, ma decisamente godibile tutto l'insieme.
Degne di nota soprattutto le interpretazioni dei personaggi di contorno interpretati da Gig Young, John Astin e Audrey Meadow.
Nel suo candore di ragazza per bene americana, Doris Day ha rappresentato per intere generazioni, il prototipo della salute fisica e morale. Spesso accoppiata con attori belli come Rick Hudson e Cary Grant appunto, ha fatto la fortuna di un filone oggi scomparso.
Con nostalgia rivediamo le scene di queste commedie, che ci hanno lasciato diversi anni fa, e che con fatica hanno fatto capolino nel panorama cinematografico anche in seguito, ma che per forza di cose non potranno più tornare.

Rescue dawn

2009-11-23T07:31:00.000+01:00

settembre 2008

L'ultimo film del grande Werner Herzog ha rischiato di essere banale. Sempre di Vietnam si parla, di eroi o presunti tali, di guerre violente, di sopravvivenza. La storia è "quasi" vera, nel senso che a quanto pare è stata caricata di inesattezze che dipingono Dieter Dengler come un "quasi" eroe e i suoi compagni di disavventura come degli inetti rassegnati. Comunque www.rescuedawnthetruth.com/ spiega i punti di vista dei parenti degli altri uomini tenuti prigionieri.
Tralasciando le verità della storia (pur sempre importanti, ma non essenziali per lo spettatore), Rescue Dawn è un inno all'ottimismo, una lotta per la sopravvivenza, ma soprattutto una sfida alla natura. Come viene spesso sottolineato durante il film (in questo si pecca di eccessivo didascalismo), la vera prigione è la giungla. Dieter, l'eroe sognatore, a un certo punto cercherà la salvezza ritornando dai nemici, sconfitto sia dagli uomini che dalla natura pagherà fino a trovare la vera solitudine, quella che fa immaginare i fantasmi e gli spettri della morte.
Il lieto fine per Dieter è storia vera, è filosofia di Herzog, non buonismo americano, per questo perdonabile.
I temi di Herzog ci sono tutti, ma la produzione hollywoodiana lo confeziona più come un pacchetto da blockbuster, vabbè niente di grave, il film è godibile. Viene da chiedersi come mai un film di tale portata e con una meravigliosa fotografia, non esca nelle sale italiane, ma venga direttamente distribuito in DVD, con il tristissimo titolo di "Le ali della libertà". Mentre nelle sale nostrane furoreggiano i vari Moccia e i De Sica Minori e minorati.

Grandissima prova di Christian Bale (ci mancherebbe...) che ha perso più o meno gli stessi chili dei tempi di The Machinist.

Gomorra

2009-11-21T22:09:00.001+01:00

scritto venerdì, 14 agosto 2009

Il film sembra girato da un architetto. E' un documentario? No, è un'opera di precisione incredibile. Tutto è perfetto, gli attori, le inquadrature, gli scorci, le carrellate, le immagini dall'alto. Viene fuori lo sconcerto, assistiamo alla messa in scena della realtà, ma non è neorealismo, è molto di più. Alla verità c'è l'aggiunta della passione per il cinema, dell'amore, lo stesso di Tarantino. Traspare. Garrone è un regista che fa e che ama il cinema. L'architettura e i palazzi sembrano riflettere un mondo privo di senso e di logica. Sembra di vivere in un formicaio popolato da cavallette, c'è organizzazione diabolica, legge del taglione, gioventù inesistente. E' un'umanità diversa, ci troviamo su di un altro pianeta, le persone non possono essere uomini, non appartengono a questo genere. Molto probabilmente sono extra terrestri.
Il sarto talentuoso che finisce col fare il camionista, le immagini luccicanti del red carpet del festival di Cannes trasmesse da una televisione squallida in un altrettanto squallido autogrill. Lo sguardo triste e sofferente di chi è intrappolato in un mondo che non gli appartiene, è in prigione. E' rinchiuso senza aver commesso reato, è una vittima del mondo, una vittima degli uomini, è una delle poche formiche in un mondo di cavallette.
Il ragazzino che vuole entrare in una banda criminale, perchè è l'unico modo di sopravvivere dignitosamente, perchè è l'unico scopo di questa vita, perchè in quei palazzi, in quei quartieri se non appartieni a niente non sei niente. E così deve passare una prova, gli sparano addosso col giubbotto antiproiettile. Se resisti senza frignare sei un duro e puoi entrare nella banda, altrimenti sei quasi morto. Lui ce la fa. E finirà per far ammazzare una delle poche persone a cui era realmente legato, l'unico spiraglio di luce viene chiuso per sempre.
L'imprenditore dei rifiuti tossici. Un sempre grande Toni Servillo, la faccia più brutta di tutta la vicenda. Il responsabile della morte non solo degli uomini, ma anche del territorio. Vende lo smaltimento dei rifiuti del nord est e non solo, tutta la merda se la prende lui e la sotterra vicino ai campi di pesche, di pomodori, nei campi dove pascolano le bufale, dove si ammazzano i ragazzini. E' una carogna, una grossa carogna. Ma è solo il braccio di un mostro malato.
Il senso di claustrofobia che mi affligge si ripresenta, mi viene voglia di scappare, ma resisto. Povera Italia, povero mondo, brutta razza gli uomini.

Mi guardo intorno, silenzio, non un colpo di tosse, non un movimento, facce rapite dalle immagini, dialoghi in napoletano stretto.

Il film finisce, chi l'ha visto sa come, sa quanta forza c'è nelle ultime sequenze, quanta disperazione.

Un attimo di silenzio in sala.

Il film è finito.

Il Divo

2009-11-21T22:07:00.000+01:00

venerdì, 14 agosto 2009

Ho avuto bisogno di qualche giorno prima di riordinare le idee e mettere insieme qualche pensiero su quest'ultima opera del talentuosissimo Sorrentino.
Il Divo è un film su Giulio Andreotti, sulla nostra storia italiana, sul potere di un gobbo che ci ha governato negli anni più bui della repubblica. E' tutto questo, ma è anche molto di più.
E' un'opera pop, oppure più semplicemente: è un'opera e basta.
I titoli di testa sono il biglietto da visita di quello che sarà in seguito il film italiano più rilevante artisticamente degli ultimi anni. Sorrentino si mette completamente a disposizione del suo talento, non si pone limiti, nè sulle spettacolari inquadrature, nè sulla potente sceneggiatura.
Ingegno, creatività e verità storica, si mescolano virtuosamente. Ne esce fuori un quadro unico nel suo genere. Non c'è un film come il Divo nella cinematografia nostrana. Bellissimo esempio di metacinema italiano.
Il montaggio è sensazionale, il ritmo incalzante. Le battute messe in bocca al Divo sono precise e taglienti come stilettate. Mescolano ironia e intelligenza, cultura e esperienza: sono Giulio Andreotti. I volti dei vari personaggi, sapientemente scelti, sono da antologia, da incubo moderno.
La colonna sonora è contraddittoria, colpisce nel segno, gioca con lo spettatore spiazzandolo. Ogni dettaglio e curato.
La scivolata di Cirino Pomicino, il gatto e Andreotti, la moglie e il Divo che guardano Renato Zero in tv, lo skateboard che parte dal palazzo del potere e arriva fino a Capaci, atmosfere surreali che si susseguono senza tregua, entrano dentro, colpiscono senza mezzi termini. Non ci si aspetta niente dalla narrazione, siamo sul piano della percezione visiva ed emotiva, stiamo vivendo una grandissima pagina di cinema.

Cavolavoro, bentornato cinema italiano.

There will be blood (21 Aprile 2008)

2009-11-21T22:05:00.000+01:00

Non riesco a trovare molte parole per descrivere questo film, non perchè non ci sia niente da dire, ma l'emozione che trasmette e la miriade di sensazioni da estasi che si provano, difficilmente possono essere tradotte con la scrittura.
Il film comincia subito in maniera grandiosa. Un'immagine fissa su di un territorio desolato, una montagna arida in un territorio lunare, soleggiato, tipico del sud degli Stati Uniti.
Colonna sonora da brivido.
Penso a Kubrick, e precisamente a 2001 odissea nello spazio. Mi viene in mente Darwin, l'origine della specie. E in effetti comincia così, la teoria evoluzionistica del capitalismo. Daniel che scava sporco, nero, avido. Che si fa strada, che lotta per la sopravvivenza, solo i più forti ce la faranno e lui ce la farà. Sopravviverà facendo terra bruciata attorno a sè, inaridendosi fino a diventare duro come una pietra. Lui e il bambino, un figlio non suo che amerà e che alla fine ripudierà, perchè diverso e quindi incapace di sopravvivere. E' debole, non è Daniel.
Il parallelismo con Into the wild arriva spontaneo. In quel caso si scappa dal capitalismo, in questo non solo se ne fa parte, ma lo si crea.
Daniel si dimentica di essere uomo.

Daniel Day Lewis da brivido e P.T. Anderson sempre più grandioso.

Capolavoro.

Into the wild

2009-11-21T22:02:00.000+01:00

scritto venerdì, 14 agosto 2009

Divorato il romanzo, pianto e sofferto insieme ad Alex, aspettavo le immagini dirette da Penn con ansia. La storia di Chris è fatta soprattutto di immagini. Quelle di una nazione controversa nella sua continua lotta tra progresso tecnologico e natura selvaggia, tra antichi retaggi di una cultura attaccata alla terra e nuove e moderne ideologie.
Le immagini degli Stati Uniti in tutta la loro forza primordiale si susseguono con eleganza e maestria. Il film è un viaggio, fisico e mentale, una crescita, una ribellione, una rinascita e una morte, una fuga e una conferma. Happiness is real only if shared, la scoperta finale a prezzo della propria vita.
Alex è attaccato ai libri, simbolo di una società che vive solo grazie alle conoscenze di chi è venuto prima. I libri lo aiutano, ma lo portano anche a un punto di non ritorno. Il capolinea della vita, in un autobus rotto, arrugginito, simbolo di qualcosa di finito, usato e dimenticato.
Ci dimentichiamo del mondo, della natura.
Le regole, Alex lotta contro di esse e ne esce sconfitto a più riprese, ne fugge perchè appartengono a un mondo ipocrita. Anche la natura però possiede le sue regole, e se si infrangono si rischia di non sopravvivere.
L'utopia della libertà.
Alex cerca disperatamente la risposta alle sue domande tra le righe dei libri, ed è tra questi che dirà addio alla vita.

Bellissima la colonna sonora di Eddie Vedder.